El 10 de marzo el genial dibujante francés ha muerto en París a los 73 años.

No tengo palabras.

nectarina.

Los ojos del Gato. Una historia de Jodorowsky y Moebius

Sobre Moebius en Trazos de Tinta

Recopilación de entrevistas, vídeos, historias, en Entrecomics.

En este blog faltaba una entrada sobre el pilar del manga japonés y una de las obras más influyentes de la historia del cómic. Sobradamente conocido por el público, no pretendo esta vez dar a conocer la obra sino hacer un breve repaso a retazos que me parecen interesantes.

A modo de ligero argumento: Akira se desarrolla en el año 2019 en Neo-Tokio, una ciudad reconstruida tras sufrir los devastadores efectos de la explosión nuclear de 1988 que desencadena la Tercera Guerra Mundial. El gobierno ha reclutado a unos niños con poderes psíquicos para experimentar con ellos, mientras que en la ciudad la violencia, las drogas y los grupos extremistas dominan el panorama.

Otomo supone basarse en un “nuevo Tokio” al escribir el argumento de Akira. Las imágenes de la ciudad se sucedían una y otra vez al imaginarse una historia de ciencia ficción que tendría lugar en esta caótica ciudad.

Su primer acercamiento a la creación de cómics fue al igual que para muchos artistas de su generación, Cómo ser un dibujante de cómics de Shotaro Ishimori. Era el primer libro que explicaba adecuadamente cómo dibujar cómics. Le marcaron las películas estadounidenses de los 70 Bonnie and Clyde, Dos hombres y un destino y Easy Rider. De esta última se basó para los motoristas de Akira y la actitud rebelde de los personajes.

Básicamente, todas estas películas trataban de personajes que huyen a otro lugar hartos de sus aburridas vidas. Otomo se vio representado en estas películas puesto que él también anhelaba irse de casa y romper con su rutina, pero para ello tenía que ganarse la vida: pensó que dibujar cómics podía ser una opción atractiva y bohemia.

Otomo se aficionó al cine japonés pero fue el cine americano precisamente el que le influenció para sus posteriores creaciones. El punto de partida de los personajes de Akira es la serie de animación Tejsujin 28 (conocido como Ironman 28 fuera de Japón).

La obra consta de 6 grandes tomos con más de 2000 páginas realizadas entre 1982 y 1993. De cara a su publicación en EEUU se decidió dar color al cómic original en B/N para que tuvieran mayor aceptación. Este proyecto fue encargado a Steve Oliff, que hizo un coloreado digital en vez de manual con un resultado magistral. Cuando a Oliff le encargaron unas pruebas a color y vio la calidad del dibujo de Otomo, decidió darlo todo: utilizó pluma, pintura, aerógrafo, películas de color Pantone y lápices de colores. Tenía el presentimiento de que iba a ser algo especial.

Los primeros números fueron hechos con guías coloreadas a mano en papel de alta calidad y estrictamente supervisadas por Otomo desde Japón. Tras 4 o 5 tomos y una vez familiarizados con el sistema informático Kaleidoscope, cambiaron la técnica: primero hacía un modelo con roturadores y aerógrafo y posteriormente el equipo de grafistas lo reproducían en el ordenador. Otomo le dejó libertad creativa al colorista y Oliff tenia el control directo sobre el trabajo.

Cuando a Otomo le propusieron animar el manga, su primer pensamiento fue crear un mundo separado para la película basado en los libros, pero nunca trasladarlo tal cual, principalmente por la larga extensión del mismo. Además, aun no se había terminado la línea argumental de los cómics (se estrenó 5 años antes de la conclusión de los libros).

La película tiene muchos cortes argumentales respecto a los libros, pero era necesario hacerlo así. Otomo concibe el film más como un ejercicio visual y técnico cercano a una película de acción que a una animación como tal. Acostumbrado a trabajar solo, cuando empezó en el estudio de animación, apreció mucho el trabajo en equipo: un montón de gente talentosa con muchas ganas de dibujar, unidos en un único gran proyecto.

Imagen del art book Akira Club

Katsuhiro Otomo es el “culpable” del acercamiento al manga japonés en Occidente, y Akira su máximo exponente. Desde entonces es una obra de culto, vigente a pesar de los años pasados y de lectura obligada independientemente de ser un seguidor manga o no. Artistas como Moebius o Jodorowsky son declarados fans de Otomo.

Tetsuo ilustrado por Moebius

Hay un antes y un después a partir de Akira: fue revolucionaria tanto en su versión impresa como cinematográfica: en la primera en cuanto a la megalomanía del guión y dibujos y por ser pionero en cuanto al coloreado por ordenador; en cuanto a la segunda, por su gran inversión en tecnología y animación infográfica (CGI)

Marcó una estética e ideología cyber punk en los 80 y 90. El merchandasing de Akira lo invadió todo: pósters, camisetas, chapas, muñecos. La preciosa moto futurista de Kaneda, el protagonista, ha sido modelo de múltiples motocicletas reales.

Imagen del art book Akira Animation Archives

Pruebas de tipografía para Akira

AKIRA, GOOD FOR HEALTH, BAD FOR EDUCATION.

nectarina.

Enlaces:

es.wikipedia.org/wiki/Akira

http://www.guiadelcomic.com/manga/akira.htm

www.akira2019.com

Entrevista a Katsuhiro Otomo en You Tube, 4 partes (subtitulado en inglés):

http://www.youtube.com/watch?v=nIZZoHF8VmQ

He vuelto a toparme con este cómic por casualidad, y por esa misma casualidad lo he vuelto a leer. Esta segunda lectura de Trazo de Tiza años después de mi primer acercamiento ha sido mucho más enriquecedor; es como si hubiese descubierto una nueva obra. Es gracioso hablar del azar siendo éste la temática central del cómic.

Teniendo en cuenta que la narración acepta varias lecturas e interpretaciones, no es de extrañar que haya tenido la impresión de leer un cómic que desconocía; si lo revisase una tercera vez, estaría frente a otra realidad, otro punto de vista. Así de simple y de complejo.

Trazo de tiza tiene como punto de partida a Raúl, un viajero que con su barco se topa con una minúscula isla en medio del océano; un islote que no aparece en las cartas de navegación. Está habitada por un faro estropeado y una casa que hace a la vez de bar y fonda, con su dueña Sara y su silencioso hijo adolescente. El aislamiento de sus dos habitantes se ve de tanto en tanto interrumpida por algún viajero que viene a descansar o a reponer víveres. Cuando Raúl llega se encontraba allí Ana, otra viajera joven y poco comunicativa que dice estar esperando a alguien.

Un inmenso dique, un faro sin luz, una fonda vacía, las presentes gaviotas en un islote que se asemeja a un trazo de tiza. Este será el opresivo escenario donde se desarrolla la historia, aparentemente sencilla, pero que exige una lectura detenida y reflexiva. No pretendo contaros mucho más porque eso echaría a perder su encanto. Tampoco voy a hacer un análisis exhaustivo de la “intertexualidad” de Trazos de Tiza, ni de sus referencias bibliográficas ya que no es el cometido de esta reseña.

A lo que sí quiero hacer alusión es a la capacidad gráfica y narrativa de Trazo de Tiza. La sucesión de silenciosas y evocadoras imágenes dan un sentido y profundidad a la narración en la que no son necesarios los textos. Los colores fríos: azules, violetas y verdes chillones confieren al mismo tiempo tranquilidad e inquietud, realidad e irrealidad, contrastándose con las viñetas ocres. Tenemos viñetas impresionistas, y viñetas expresionistas podríamos decir por la aplicación extravagante del color (fijaos en esos verdes y rojos, casi fobistas). Las composiciones cinematográficas son excepcionales: el autor nos regala picados y contrapicados así como vistas aéreas muy notables.

La casualidad y el destino están presentes en la narración: Sara piensa que si coinciden tres barcos en la isla es un terrible presagio. Ana reconoce que “esta isla me predispone a creer en cosas en las que nunca había creído. En presagios, por ejemplo. Se diría que todo aquí, tras una apariencia real encubre una esencia extraña, como inmaterial, que nosotros, ajenos a la isla, no acertamos a entender. Apenas alcanzamos a intuirla, a presentirla”.
“Tal vez nada en esta isla tenga finalidad alguna y sea esa su especial particularidad”

Este pensamiento resume a la perfección la esencia de la historia. La gaviota que acompaña a Raúl casi constantemente en sus paseos, desarrolla un papel importante en la narración puesto que hace de confidente del personaje, es una forma de expresar en alto sus pensamientos. Asimismo, el diario que escribe Ana hace esa misma función.

El autor hace este acertado apunte al final de Trazos de Tiza:

El lector habrá ido valorando los diversos sucesos que se le han ido presentando, y, al final, después de leída la última viñeta, los habrá organizado de una manera determinada, llegando a una interpretación global de la historia.
Pero el conocimiento y el análisis de los hechos son casi siempre fragmentarios y especulativos. Eso hace que una misma cadena de acontecimientos pueda ser explicado de más de una manera. Y así, es muy posible que el lector haya llegado a conclusiones similares a las de Raúl.

Y es también posible que el lector haya entendido lo sucedido (mejor dicho, lo narrado) de forma bastante distinta a como Raúl lo ha hecho. Quizás haya reparado en algunos pequeños detalles que podrían ser considerados por otro lector menos meticulosos como irrelevantes, unos o achacables a mi descuido o a mi falta de rigor en la transcripción, otros. Este lector habrá descubierto, seguramente, una historia algo más compleja, acaso más inquietante, quizás más sorprendente. O, simplemente, distinta. Tal vez inverosímil.

Al primer tipo de lector podría sugerirle una revisión del libro, más exhaustiva, pero seguramente sea un esfuerzo que no esté dispuesto a afrontar. No se lo debo reprochar. Ni puedo asegurarles que tras esa segunda improbable lectura llegue a conclusiones distintas.

En cierto momento de la construcción de la narración pensé en incluir dos epílogos (que llegué a escribir y a planificar) que aportasen datos que hiciesen obvia esa segunda forma de entender la historia. Me inducía a ello la sospecha de que el lector de historieta no suele adentrarse profundamente en la obra; más bien la sobrevuela. Y temía que mi pericia no fuese la suficiente como para obligarlo desde el primer momento a cambiar ese hábito.
Sigo desconfiando de mi habilidad para conseguir ese propósito, pero ahora estoy convencido de que, de haber incluido aquellos epílogos, hubiese traicionado el espíritu del libro, aunque nunca haya sido mi intención seguir rígidamente los planteamientos de Borges y Bioy para aquella hipotética novela. Espero que en cualquiera de los casos la lectura no haya sido tediosa.

Por último, una puntualización.

Cuando “Trazo de tiza” no pasaba de esbozo emborronado y confuso, disperso en unos cuantos papeles, dos cosas estaban muy claras: habría un faro sin luz y un mensaje en una pared o un muro. El azar puso en mis manos, algún tiempo después, el libro de Antonio Tabucchi “Dama de Porto Pim”. Yo, que, como Raúl, no he leído a Chateaubriand, encontré la cita que incluyo en mi libro. Y encontré también el muro ideal para escribir en él el mensaje de Raúl. Mi agradecimiento, pues, a Antonio Tabucchi por ambos regalos.

Miguelanxo Prado.
Lubre, noviembre de 1992.

Es extraño, pero los iconos de este cómic me han llevado sin darme cuenta a la película de Lucía y el Sexo, de Julio Medem, a las escenas donde aparece una isla y su faro, una fonda, una mujer que no sabe qué esperar… se da la temática del azar, de la fantasía mezclada con la realidad…Medem hubiera sido el director perfecto para llevar al cine esta extraña y bonita historia.

nectarina.

Aprovechando la ocasión de la llegada a la gran pantalla de este clásico infantil, he pensado postear el cuento para los que no lo hayáis leído.

Escrito e ilustrado por Maurice Sendak, autor estadounidense de origen polaco, “Where the wild things are” fue publicado en el 63 con bastante controversia: el libro era políticamente incorrecto para la época, dado que no mostraba una historia idílica y unos prototipos típicamente infantiles: Max es un niño como otro cualquiera, y el autor nos lo muestra con los comportamientos de su edad: hace travesuras y desobedece, se enfada con su madre, tiene miedos e inseguridades que afronta con la imaginación y sus propios recursos. Por lo que el pequeño protagonista, una vez castigado a su habitación sin cenar, emprende un viaje introspectivo al mundo de los monstruos, para desafiarles cara a cara y convertirse en el rey de las “cosas salvajes”.

Los adultos achacaban al cuento que saliesen monstruos de manera tan evidente, pensaban que era una lectura que podía asustar a sus hijos. Ya hemos hablado aquí en alguna ocasión de la visión ejemplarizante y moralista que tenemos los adultos respecto a los más pequeños, y Sendak no lo podría decir mejor: “Los adultos son personas que tienden a sentimentalizar la infancia, a ser sobreprotectores y a pensar que los libros para niños han de amoldar y conformar la mente a los modelos aceptados de comportamiento, logrando niños sanos, virtuosos, sabios y felices.”

“Donde viven los monstruos” es un clásico vigente hoy día porque retrata con gran expresividad los temores y deseos de nuestra infancia: nuestros monstruos, las incomprendidas rabietas, el miedo al abandono y a que nuestros padres nos dejen de querer. El hecho de ser secuestrado y separado de los padres fue una pesadilla recurrente en el propio autor, y que refleja en su cuento al final del mismo.
“Los niños, me consta, desgastan los ejemplares en las bibliotecas y los releen constantemente en sus casas. Algunos me han enviado dibujos de sus propios monstruos, que hacen de los míos ositos de peluche. Todavía no he tenido noticia de ningún niño al que le haya asustado el libro.”
Comenta el autor.

El texto, acertado y pedagógico, no sería lo que es sin las ilustraciones de Sendak: las “cosas salvajes” son monstruosas y peludas, pero taaan entrañables, y el autor hace de Max un niño expresivo, que refleja diversión, miedo, ira, sorpresa, según la ocasión. ¿Y qué me decís del traje de lobo con el que va disfrazado en el cuento?

Sendak añade: “La fantasía es algo que ocupa la vida de los niños. Creo que no hay ninguna parte de nuestras vidas infantiles o adultas, en la cual no estemos fantaseando. Pero preferimos relegar la fantasía a los niños, como si fuera una tontería apta sólo para las mentes inmaduras de los pequeños. Los niños viven dentro de la fantasía y en la realidad, de una manera que ya no podemos recordar. Tienen un sentido preciso de la lógica de lo ilógico, y pasan con facilidad de una esfera a otra. La fantasía es la esencia de toda escritura para niños, como creo que lo es para la escritura de cualquier tipo de libro, para cualquier acto creativo, y tal vez también, para el acto de vivir.”

Dicho esto, os dejo con el cuento, y con unos enlaces recomendables de visitar si tenéis interés en saber algo más de la obra, del autor y de la peli que van a estrenar.
Me encantaría saber vuestras impresiones, ¿os animáis?

Un “monstruoso” abrazo!

Enlaces y fuentes:

http://revistababar.com/wp/?p=29
http://www.imaginaria.com.ar/22/2/sendak.htm
www.terribleyelloweyes.com/
Web americana donde ilustradores de todo el mundo hacen su particular visión del cuento en  una ilustración; muy curiosa, acaban de hacer una exposición de todos los trabajos.

Trailer de la película, aquí

La noche que Max se puso un traje de lobo y comenzó a hacer una travesura

tras otra

su mamá le dijo: “¡eres un salvaje!” y Max le contestó: “¡te voy a comer!” y lo mandaron a la cama sin cenar.

Esa noche en la habitación de Max creció un bosque

y creció...

y creció hasta que el techo se cubrió de enredaderas y las paredes se transformaron en el mundo a su alrededor

y de repente apareció un océano con un barco para Max y navegó día y noche

durante varias semanas y casi más de un año hacia donde viven los monstruos.Y cuando llegó al lugar donde viven los monstruos éstos emitieron unos horribles rugidos y crujieron sus afilados dientes y lo miraron con ojos centelleantesy le mostraron sus horribles garras

hasta que Max dijo: “¡QUIETOS!” y los domó con el truco mágico de mirarlos fijamente a los ojos sin pestañear y se asustaron tanto que dijeron que él era el monstruo más monstruoso de todos

y lo nombraron rey de todos los monstruos. “Y ahora”, gritó Max, “¡que comiencen los festejos!”

“¡Basta ya!” gritó Max y ordenó a los monstruos que se fueran a la cama sin cenar. Y Max el rey de todos los monstruos se sintió solo y deseó estar en un lugar donde hubiera alguien que lo quisiera más que a nadie. De repente desde el otro lado del mundo le llegó un rico olor a comida y renunció a ser rey del lugar donde viven los monstruos.

Pero los monstruos gritaron: “¡Por favor no te vayas- te comeremos- en verdad te queremos!” A lo cual Max respondió: “¡NO!”

Los monstruos emitieron unos horribles rugidos y crujieron sus afilados dientes y lo miraron con ojos centelleantes y le mostraron sus terribles garras pero Max subió a su bote y se despidió de ellos

hasta llegar a la noche de su propia habitación donde encontró su cena. Que aún estaba caliente.

Para los aficionados al cómic, no necesita presentación porque es de sobra conocido. Para los ajenos a este mundo, tal vez su nombre no os diga nada, pero sí sus creaciones: ¿Quién no leía a MOT en el dominical El Pequeño País a principios de los 90? Ese simpático monstruo que salía del armario de un niño para vivir historias fantásticas, no sin llevarse por delante todo lo que estaba a su paso… “Vigila tu armario… En la oscuridad, en el fondo del armario ropero de Leo, brillan unos ojos. Un monstruo se esconde en su interior: Se llama Mot, es gigantesco y voraz, pero también simpático y comodón, prefiere los bocadillos a los niños y tiene una habilidad especial para atravesar puertas interdimensionales que los llevarán a las aventuras más increíbles.” ¿y El Bosque de Lump, también en el mismo suplemento años después? Si todavía no os suena de nada, ¡no habéis tenido infancia!

Bueno, os doy otra pista: su creación más emblemática e internacional es LORNA, la exhuberante rubia ataviada con armas que va acompañada de robots lascivos en sus aventuras estelares. Si os parece, vamos a hacer un repaso a la dilatada trayectoria de este dibujante.

De familia de músicos, (él mismo estudió la carrera de piano), y aunque nunca ha dejado de lado esta faceta, se dedicó profesionalmente a su gran pasión, los lápices y las acuarelas. Su primer acercamiento al cómic se dio en el año 70 colaborando en la revista Trinca, haciendo varias historias; de ellas recuerda ver las primeras páginas publicadas y parecerle espantosas, ya que no dominaba aún la técnica.

Tras esta primera experiencia, Azpiri toma la decisión de dedicarse a dibujar, pero en España no había mercado. Así que su próximo paso sería haciendo historias eróticas para Italia durante 6 años, al ritmo de unas 240 páginas mensuales!. Esto le sirve de inspiración para crear a Lorna en 1979, cuando la revista Mastia le encarga una historieta: el personaje es el resultado de mezclar su trabajo erótico anterior con la ciencia ficción, su gran afición. El propio autor ha dicho al respecto en esta completa entrevista “Cuando hice los primeros dibujos, la acompañé de un robot que no tiene nada que ver con el Arnold actual. La editorial me dijo que tenía que hacer un robot que se pareciera a C3PO de “La Guerra de las Galaxias“. Yo algunas veces he querido destruir ese robot, para volver a hacerlo de nuevo, pero ahora me da un poco de miedo. Ya son muchas historias con los personajes, y en vez de destruirle le acoplé un compañero nuevo: ADL, un robot mariquita.
Últimamente en las historias van saliendo menos los robots, ya no son tan cómicas como eran al principio. Ahora Lorna no es la señora que se dedicaba a tirarse a todo bicho viviente… aunque era divertido, ahora estoy haciendo otras cosas también muy divertidas.” De las aventuras de Lorna tiene varios álbumes, el último “Las torres negras” del 2006.

En 1988 el periódico El País se pone en contacto con Alfonso Azpiri para hacer curiosamente un cómic para niños que se publicaría en el espacio infantil El Pequeño País. A Azpiri le pilló de sorpresa, dado que es un género en el que no se movía y no tenía la menor idea de lo que hacer. Finalmente un amigo le aconsejó dibujar acerca de un monstruo y un niño, y ahí tenemos a Mot (Movimientos Orgánicos Telúricos) y al tímido niño Leo. A pesar de no creer mucho en la historia, ésta tuvo un inesperado éxito y posteriormente se hizo un videojuego y una serie de dibujos animados. A principios del 2009 Planeta de Agostini ha recopilado en 2 tomos las historias de Mot. Para nostálgicos.

Otra faceta “azpiresca” que no podemos olvidar es la de autor de las portadas más emblemáticas de videojuegos de los 80: Rocky, Lorna, La Colmena, After the War, Tuareg, Camelot Warriors, Satán, Army Moves, Viaje al Centro de la Tierra, Sirwood, entre muchas otras, ya que realizó unas 200 ilustraciones para este cometido. Podríamos hablar de la evolución de los incipientes videojuegos a través de las carátulas de Azpiri: ilustraciones realizadas en acuarelas, de colores vivos, dinámicas y rebosantes de detalles, que marcaron el estilo de gran parte de las portadas de esa década.
Me entero precisamente ahora que de nuevo Planeta de Agostini acaba de recopilar sus portadas en el libro “Spectrum. El arte para videojuegos de Azpiri”. Se habla también de la posibilidad de que esté incluido material inédito y no publicado. La editorial lo presenta así “Hubo un tiempo en que la imaginación, la ilusión y el deseo formaban parte del núcleo duro del ocio y el entretenimiento. Era un tiempo primigenio para el desarrollo de la era de los videojuegos modernos, y en él los ilustradores y diseñadores de cubiertas tenían la llave de entrada al fantástico mundo de las primeras aventuras digitales. Y de entre todos esos gigantes, un nombre ha brillado siempre con luz propia: bienvenidos al arte para videojuegos de Alfonso Azpiri”.

El precio, 14,95€. No hay excusa para no comprarlo, estamos de enhorabuena.



Otras obras de Azpiri serían:

Los relatos cortos recopilados en PESADILLAS (1985), OTROS SUEÑOS (1991) y DESPERTARES (2002), conoced la crítica aquí.

REFLEJOS (1994) , SUEÑOS HÚMEDOS (2000)  que ganó el premio a la mejor obra erótica del salón de Barcelona , SUEÑOS HÚMEDOS II (2001), SENSACIONES: EL ARTE DE AZPIRI (2001),  CEMENTERIO ESTELAR (2005) , XECUENCIAS (2006), DESDE EL INFIERNO (2007) y LOS BURDELES DE AD-DARA (2008), son sus trabajos más destacados. Además, Alfonso Azpiri ha colaborado en storyboard, diseños de escenarios y alguna portada de películas españolas.

Tenemos un ejemplo de autor que ha  sido reconocido internacionalmente  debido a su “trabajo, esfuerzo y tesón”, que nunca dice “no” a un nuevo reto ni a una entrevista, y que incluso en su página web además de poder comprar originales, puedes hacer una petición  de  ilustración a diferentes tamaños y técnicas. Esto es “producto interior bruto” y lo demás son tonterías.

Gente, espero que pongáis vuestra opinión personal de este autor en los comentarios.

nectarina.

Hoy me han dado un modesto premio, pero una gran satisfacción. Esta web ha concedido a Trazos de Tinta su consideración de Premio Blog del Día en su categoría de cultura, lo que les agradezco un montón. Podéis leer allí la pequeña entrevista que me hacen. Firmo autógrafos, jaja!! Fuera de coña, pasaros por su blog porque podéis descubrir  páginas acordes con vuestros intereses y que merezcan la pena.

Nos vemos!

nectarina

Andaba yo buscando alguna pequeña historia para subir a Trazos de Tinta. Y me acordé de Space Girl, del GRAN Travis Charest. Un cómic de 52 viñetas con guión y dibujos de este artista, publicado vía on line y realizado en la época en la que el autor estaba inmerso en el proyecto de Dreamshifters (versión de La Casta de los Metabarones, de Jodorowsky / Giménez), allá por el 2004. Se encontraba en Francia dedicado a estos menesteres, cuando empezó a procesar Space Girl como vía de escape, debido a lo absorbido que estaba con cada página de los Metabarones. Además, le apetecía practicar dibujando una protagonista femenina que carecía en Dreamshifters.

Para Space Girl, fue colgando una viñeta de vez en cuando en su página de MSN compartiéndola así con sus fans. Prácticamente toda la historia está en blanco y negro, y seamos sinceros, el guión no es nada del otro mundo (bueno sí, es del espacio, jaja), pero ay! los dibujos, cada viñeta es una ilustración completa, no hay escenas de relleno. Actualmente ya se ha editado en papel Space Girl1, aunque si no me equivoco no hay versión traducida. En estos momentos está dibujando la segunda parte de la historia.

Charest se dio a conocer en los 90 como el “dibujante que desbancó a Jim Lee“, referente modelo de la industria norteamericana, y decir eso ya es bastante. Empezó imitando el estilo de este artista cuando le suplantó en los Wildcats,, y fue evolucionando a un estilo propio menos convencional, perfeccionista al máximo, de composiciones muy estudiadas; me llaman la atención los “cachivaches” que dibuja, ya sean pistolas, cascos, naves o similares, con un aspecto retro que me encanta!

En Dreamshifters, Charest se había emocionado tanto con la idea de continuar la saga de Jodorowsky que se comprometió a hacer el dibujo, las tintas, el color…pero le quedó “grande”, en el sentido de la magnitud del proyecto, que no del resultado. Como casi todos los seguidores de Charest saben, en el 2007 le relevaron como dibujante de Dreamshifters debido a su mítica lentitud, ya que sólo realizó 30 páginas en 7 años que duró el proyecto (2000-2007). Una auténtica pasada. Eso sí, cada ilustración que hizo es una maravilla, sudor y sangre le costó.

Travis Charest no tiene una producción muy extensa por esta misma razón. Principalmente se ha dedicado a hacer portadas de cómics e ilustraciones, porque el ritmo frenético que tiene la publicación de los cómics estadounidenses no lo puede seguir. Ahora le tenemos de vuelta, contratado por Marvel para el Capitán América, así que sus seguidores estamos de suerte.

Welcome back, Travis!!

nectarina.

Ver el resto aquí.

Pero no hay casualidad en Chema Madoz. En sus fotografías, nada es lo que parece.

El autor busca intencionadamente estos juegos, altera los objetos retratados “poniendo de relieve lo frágil que es el concepto que tenemos de realidad. Con unas manipulaciones elementales, muy simples, podemos pasar de un nivel de la realidad a otro”, decía Madoz.

Este fotógrafo madrileño, Premio Nacional de Fotografía y Photoespaña en el año 2000, usa para sus paradojas visuales objetos cotidianos: piedras que nunca hacen su pesada función: las utiliza como un globo, la copa de un árbol, o un signo de admiración. Gotas de agua tratadas escultóricamente; tableros y piezas de ajedrez se mezclan con notas musicales produciendo diferentes resultados estéticos; herramientas, relojes…el silencioso imaginario de Chema Madoz, cercano y extraño al mismo tiempo, hipnotiza al espectador mágicamente.

Y es ese hipnotismo el que me ha hecho compartir este fotógrafo hoy con vosotros, aunque Trazos de Tinta no tenga por costumbre tratar de temas fuera de la ilustración y los cómics, hacemos una (creo que acertada) excepción.

Chema Madoz llegó a esta profesión no por vocación, sino casi de casualidad: su gusto por la imagen, la pintura, los cómics, el cine, le llevó a estudiar Historia del Arte y también Fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen; sin embargo nunca pensó que la fotografía pudiera usarse para contar cosas, y mucho menos que iba a vivir de ello. En realidad trabajaba en un banco, pero lo detestaba y quería abandonarlo.  En ese momento se dedicaba a hacer fotografías y decidió centrarse en ello. Y menos mal.

Su creación tiene diversas influencias: pintura, escultura, cine, publicidad…pero son las corrientes vanguardistas de principio del siglo XX las más reconocibles en su obra: dadaísmo y surrealismo; también arte conceptual, minimalismo, incluso land art. Los guiños a los que hace referencia sus fotografías se han relacionado con las greguerías de Ramón Gómez de la Serna (humor+metáfora) de las que aquí pongo unos ejemplos:
Intenté suicidarme, y casi me mato
La escritura china es un cementerio de letras.
La cebra el el animal que luce por fuera su radiografía interior.
Estamos mirando el abismo de la vejez y los niños vienen por detrás y nos empujan.

Los objetos están descontextualizados, fuera de su entorno natural, dotados de nuevos significados pero dentro de unos códigos reconocibles para el público. El blanco y negro crea una distancia que mantiene el autor con el objeto retratado, y resalta lo poético del mensaje.

Si la fotografía estaba concebida como testimonio de la realidad, de un tiempo y un espacio concreto, a Madoz lo que le estimula es “jugar con los elementos que intervienen en la imagen, falsear la realidad” según sus propias palabras. Y así es: sus fotografías son atemporales, no hay emoción, pero sí una fuerza visual tremenda, y siempre sentimos ese efecto sorpresa buscado por el fotógrafo. El contrapunto lo tenemos en la luz natural con la que trabaja, y que dota a las imágenes de un equilibrio a ese artificio.

Es curioso como Chema Madoz parece invertir el método de creación de un fotógrafo: siempre tiene la foto previamente pensada antes de lanzarse a hacerla: “Al principio salía con la cámara por ahí, a ver qué pasaba. Luego cambié, porque me di cuenta de que cuando hacía eso, lo que en realidad quería era encontrarme con cosas que ya tenía en la cabeza y que quería fotografiar. Entonces pasé a provocar la situación antes que a desear encontrarme con ella, y es lo que hago ahora, me pongo a disparar cuando sé lo que quiero contar y cómo lo quiero hacer. Antes de empezar a fotografiar, lo que hago es empezar a tomar notas y apuntes y algunos bocetos para no olvidarme de nada y tenerlo todo muy presente. Luego preparo toda la composición y entonces ya empiezo a disparar”.

Deja patente que no deja nada al azar, a la espontaneidad que caracteriza la fotografía. Todo es racional, “hasta la luz es a veces tratada de forma objetual” ; la manipulación es tal que hay piezas retratadas que no existían anteriormente, están creadas para una idea concreta. Su mirada es neutra, fría y analítica. No hay puntos de vista forzados, ni dramatismo alguno.

Si al principio de su carrera aparecían paisajes y figura humana, esta práctica la abandonó en los últimos años, centrándose en los objetos: “En los principios es algo ineludible el fijarte en las personas y el entorno. Pero poco a poco me fui dando cuenta de que las figuras humanas y los paisajes eran simples excusas, y yo tendía a centrarme más en aspectos formales que en la propia psicología del personaje. Así es que, de forma natural, mi mirada fue prescindiendo de esos elementos y se fue centrando en el mundo de los objetos. Me imagino que también tuvo que ver el hecho de que soy muy tímido y muy lento trabajando, y me encontraba incómodo frente a un modelo que tenía que estar posando para mí; me siento más a gusto rodeado de objetos a los que yo puedo ir manipulando. En realidad todo forma parte de un proceso muy natural, como es el de contar cosas con los mínimos elementos posibles”

Sus medios técnicos no son sofisticados: utiliza una cámara Hasselblat del año 1958, que le da una calidad fantástica, así que le basta y le sobra para conseguir sus propósitos. Su estudio, es también fuera de lo convencional: una especie de taller lleno de cachivaches, más propio de un inventor que de un fotógrafo. Todos los objetos que ha retratado los guarda allí, la mayoría desmontados, a modo de extravagante museo.

Una solitaria búsqueda de nuevas ideas; una manera de vivir y sentir, de contar historias.
Así es Madoz, un fotógrafo ajeno a este mundo.

nectarina.

Obra destacada:

-Chema Madoz. Colección Photobolsillo (Ediciones La Fábrica) 2002
-Fotopoemario.  Chema Madoz y Joan Brossa. La Fábrica (2003)
Según descripción de la editorial: resultado de un esfuerzo conjunto entre el poeta Joan Brossa (Barcelona, 1919 – 1998) y el fotógrafo Chama Madoz (Madrid, 1958); ambos, desde la palabra el primero y desde la imagen el segundo, consiguen ofrecer una verdadera demostración de cómo, si bien una imagen puede valer más que mil palabras, un poema puede ofrecernos una gran imagen. Una colección de imágenes de uno de nuestros fotógrafos más internacionales comentadas por el mejor de nuestros poetas visuales.

-Chema Madoz  2000-2005 (Ediciones Aldeasa). 2006 Este es el catálogo de la exposición de la Fundación Telefónica que tuvo lugar del 1 de febrero al 21 de mayo del 2006. Imprescindible

Hoy cambiamos formato: el blog de cómics La Caraviñeta me invitó amablemente a contribuir en su sección escribiendo un post sobre una obra o autor que eligiera. De vez en cuando la red te brinda la oportunidad de dar con personas que merezcan la pena, en este caso ha sido todo un placer conocer “virtualmente” a su autor, Angux; la presentación que hizo en el post que escribí es entrañable.

Mi aportación ha sido Elektra Lives Again, de Frank Miller (1990) Si queréis descubrir el por qué de esta elección, sólo tenéis que hacer una visita…podéis venir sin avisar! Estáis todos invitados.

Y vosotros, lectores, no dejéis de entrar en su página asidualmente.

nectarina

Dentro de mi repertorio de ilustradores infantiles hoy le ha tocado a esta autora española. La conocía desde el 2005, allá por la época que descubrí a Rebecca Dautremer, y ya era hora de hacerla un hueco. Porque tiene un estilo que me entusiasma. Un día encontré una resumidísima versión de La Princesa y el Guisante de Andersen, un libro de muy pequeño formato editado por Anaya; la portada sin la típica princesa cursi de los cuentos clásicos me hizo abrir el librito, encontrándome con dibujos muy expresivos: figuras humanas de rotundos volúmenes , con enormes cuellos, caras pálidas de pequeñísimos ojos y coloreados mofletes, con un aspecto casi siniestro. Los detallados y coloridos trajes destacaban en los austeros y apagados fondos.

Y es ese contraste entre grotesco y sutil tan característico de Odriozola el que me llama la atención. Cuando me topo con un libro de esta autora que no conozco, tardo medio segundo en saber que son de ella.

Sus ilustraciones tienen un extraño encanto.
Ya sabéis que no me conformo con cualquier cosa.

Esta ilustradora vasca nacida en 1967 de familia de pintores, estudió artes decorativas y empezó ilustrando libros de texto. Después trabajó ocho años en agencias de publicidad, donde  esporádicamente tenía algunos encargos para dibujar. La agencia en la que trabajaba se cerró, y en 1997 decidió dedicarse por entero a la ilustración  como un proceso natural: sus hermanas y ella dibujaban desde pequeñitas porque era lo que su padre les inculcaba, así que esto era un paso más.

Me parece muy curioso que una ilustradora infantil afirme que no tiene en cuenta a los niños a la hora de dibujar. Piensa que sería demasiado simple considerar a todos los niños por igual, ¿por qué razón si esto no lo hacemos con los adultos? La autora hace lo que le gusta hacer, lo que siente, lo que le emociona. Lo que te haga pensar: “¿cómo se le ha ocurrido esto?”

Y partiendo de esa premisa, su arte llegará a quien tenga que llegar, más allá de ceñirse al texto y a la técnica en sí.
Por eso sus dibujos destilan personalidad propia…sorprenden, porque porque expresan el sentimiento de la artista, sin estar condicionada por un público objetivo, ni tampoco por los editores ni los escritores de los libros: según Odriozola, no podría hacer algo que está en la cabeza del otro pero no en la suya, sino que ella hace lo que ve, y a su manera, usando la imaginación. Y a quien no le guste, que no mire, en resumidas cuentas.

"Como los bostezos son tan contagiosos, todo el palacio andaba con la boca abierta: el rey bostezaba, la reina bostezaba, los ministros bostezaban...¡hasta el gato y el perro del jardinero bostezaban!"

El texto le marca lo que tiene que dibujar, pero hay que interpretarlo: “Intento transmitir lo que veo en el texto y algo más. Dar mi punto de vista sin limitarme a dibujar literalmente lo que está escrito” En cuanto a la finalidad de su creación, es contundente también:
«Yo no quiero conseguir nada en concreto, lo que busco es divertirme y disfrutar, y por supuesto, hacer algo bonito. Expreso lo que siento con mis dibujos, pero no busco nada más», aclara. «Si yo siento lo que hago y me gusta, es suficiente, por lo menos para mí»
Tiene las ideas claras.
Elena Odriozola empezó coloreando con acuarelas y de un tiempo acá prácticamente las ha dejado de lado para pasarse a las tintas de colores, también algo de lápiz y acrílico. Sin embargo es crítica con su trabajo “Veo dibujos de hace años, incluso algunos de hace cinco años, y me parecen horrorosos. He ido cambiado y supongo que será por eso”
En el 2006 el Ministerio de Cultura concedió a Elena Odriozola  el Segundo Premio a las Mejores Ilustraciones de Libros Infantiles y Juveniles  por La princesa que bostezaba a todas horas (2005), escrito por Carmen Gil.

Hasta la próxima,

nectarina.

Bibliografía destacada:

- La historia de Noé. Los Cuatro Azules, 2008.
- Un regalo del cielo. SM, 2007.
- Marte y las princesas voladoras. Fondo de Cultura Económica, 2006.
- El viento de los sauces. Anaya, 2006.
- Cuando sale la luna. Thule ediciones, 2006.
- Bichos raros Ediciones. SM, 2006.
- La bella mandarina. Imaginarium, 2005.
- La princesa que bostezaba a todas horas. OQO, 2005.
- Peter Pan. Edebé, 2005.
- El arca y yo. Anaya, 2004.
- La Sirenita y otros cuentos. Anaya, 2004.
- Poemas para las horas y los minutos. Edelvives, 2003.
- La Princesa y el guisante. Anaya, 2003.
- Margarita. Imaginarium, 2003.