Aprovechando la ocasión de la llegada a la gran pantalla de este clásico infantil, he pensado postear el cuento para los que no lo hayáis leído.

Escrito e ilustrado por Maurice Sendak, autor estadounidense de origen polaco, “Where the wild things are” fue publicado en el 63 con bastante controversia: el libro era políticamente incorrecto para la época, dado que no mostraba una historia idílica y unos prototipos típicamente infantiles: Max es un niño como otro cualquiera, y el autor nos lo muestra con los comportamientos de su edad: hace travesuras y desobedece, se enfada con su madre, tiene miedos e inseguridades que afronta con la imaginación y sus propios recursos. Por lo que el pequeño protagonista, una vez castigado a su habitación sin cenar, emprende un viaje introspectivo al mundo de los monstruos, para desafiarles cara a cara y convertirse en el rey de las “cosas salvajes”.

Los adultos achacaban al cuento que saliesen monstruos de manera tan evidente, pensaban que era una lectura que podía asustar a sus hijos. Ya hemos hablado aquí en alguna ocasión de la visión ejemplarizante y moralista que tenemos los adultos respecto a los más pequeños, y Sendak no lo podría decir mejor: “Los adultos son personas que tienden a sentimentalizar la infancia, a ser sobreprotectores y a pensar que los libros para niños han de amoldar y conformar la mente a los modelos aceptados de comportamiento, logrando niños sanos, virtuosos, sabios y felices.”

“Donde viven los monstruos” es un clásico vigente hoy día porque retrata con gran expresividad los temores y deseos de nuestra infancia: nuestros monstruos, las incomprendidas rabietas, el miedo al abandono y a que nuestros padres nos dejen de querer. El hecho de ser secuestrado y separado de los padres fue una pesadilla recurrente en el propio autor, y que refleja en su cuento al final del mismo.
“Los niños, me consta, desgastan los ejemplares en las bibliotecas y los releen constantemente en sus casas. Algunos me han enviado dibujos de sus propios monstruos, que hacen de los míos ositos de peluche. Todavía no he tenido noticia de ningún niño al que le haya asustado el libro.”
Comenta el autor.

El texto, acertado y pedagógico, no sería lo que es sin las ilustraciones de Sendak: las “cosas salvajes” son monstruosas y peludas, pero taaan entrañables, y el autor hace de Max un niño expresivo, que refleja diversión, miedo, ira, sorpresa, según la ocasión. ¿Y qué me decís del traje de lobo con el que va disfrazado en el cuento?

Sendak añade: “La fantasía es algo que ocupa la vida de los niños. Creo que no hay ninguna parte de nuestras vidas infantiles o adultas, en la cual no estemos fantaseando. Pero preferimos relegar la fantasía a los niños, como si fuera una tontería apta sólo para las mentes inmaduras de los pequeños. Los niños viven dentro de la fantasía y en la realidad, de una manera que ya no podemos recordar. Tienen un sentido preciso de la lógica de lo ilógico, y pasan con facilidad de una esfera a otra. La fantasía es la esencia de toda escritura para niños, como creo que lo es para la escritura de cualquier tipo de libro, para cualquier acto creativo, y tal vez también, para el acto de vivir.”

Dicho esto, os dejo con el cuento, y con unos enlaces recomendables de visitar si tenéis interés en saber algo más de la obra, del autor y de la peli que van a estrenar.
Me encantaría saber vuestras impresiones, ¿os animáis?

Un “monstruoso” abrazo!

Enlaces y fuentes:

http://revistababar.com/wp/?p=29
http://www.imaginaria.com.ar/22/2/sendak.htm
www.terribleyelloweyes.com/
Web americana donde ilustradores de todo el mundo hacen su particular visión del cuento en  una ilustración; muy curiosa, acaban de hacer una exposición de todos los trabajos.

Trailer de la película, aquí

La noche que Max se puso un traje de lobo y comenzó a hacer una travesura

tras otra

su mamá le dijo: “¡eres un salvaje!” y Max le contestó: “¡te voy a comer!” y lo mandaron a la cama sin cenar.

Esa noche en la habitación de Max creció un bosque

y creció...

y creció hasta que el techo se cubrió de enredaderas y las paredes se transformaron en el mundo a su alrededor

y de repente apareció un océano con un barco para Max y navegó día y noche

durante varias semanas y casi más de un año hacia donde viven los monstruos.Y cuando llegó al lugar donde viven los monstruos éstos emitieron unos horribles rugidos y crujieron sus afilados dientes y lo miraron con ojos centelleantesy le mostraron sus horribles garras

hasta que Max dijo: “¡QUIETOS!” y los domó con el truco mágico de mirarlos fijamente a los ojos sin pestañear y se asustaron tanto que dijeron que él era el monstruo más monstruoso de todos

y lo nombraron rey de todos los monstruos. “Y ahora”, gritó Max, “¡que comiencen los festejos!”

“¡Basta ya!” gritó Max y ordenó a los monstruos que se fueran a la cama sin cenar. Y Max el rey de todos los monstruos se sintió solo y deseó estar en un lugar donde hubiera alguien que lo quisiera más que a nadie. De repente desde el otro lado del mundo le llegó un rico olor a comida y renunció a ser rey del lugar donde viven los monstruos.

Pero los monstruos gritaron: “¡Por favor no te vayas- te comeremos- en verdad te queremos!” A lo cual Max respondió: “¡NO!”

Los monstruos emitieron unos horribles rugidos y crujieron sus afilados dientes y lo miraron con ojos centelleantes y le mostraron sus terribles garras pero Max subió a su bote y se despidió de ellos

hasta llegar a la noche de su propia habitación donde encontró su cena. Que aún estaba caliente.

Para los aficionados al cómic, no necesita presentación porque es de sobra conocido. Para los ajenos a este mundo, tal vez su nombre no os diga nada, pero sí sus creaciones: ¿Quién no leía a MOT en el dominical El Pequeño País a principios de los 90? Ese simpático monstruo que salía del armario de un niño para vivir historias fantásticas, no sin llevarse por delante todo lo que estaba a su paso… “Vigila tu armario… En la oscuridad, en el fondo del armario ropero de Leo, brillan unos ojos. Un monstruo se esconde en su interior: Se llama Mot, es gigantesco y voraz, pero también simpático y comodón, prefiere los bocadillos a los niños y tiene una habilidad especial para atravesar puertas interdimensionales que los llevarán a las aventuras más increíbles.” ¿y El Bosque de Lump, también en el mismo suplemento años después? Si todavía no os suena de nada, ¡no habéis tenido infancia!

Bueno, os doy otra pista: su creación más emblemática e internacional es LORNA, la exhuberante rubia ataviada con armas que va acompañada de robots lascivos en sus aventuras estelares. Si os parece, vamos a hacer un repaso a la dilatada trayectoria de este dibujante.

De familia de músicos, (él mismo estudió la carrera de piano), y aunque nunca ha dejado de lado esta faceta, se dedicó profesionalmente a su gran pasión, los lápices y las acuarelas. Su primer acercamiento al cómic se dio en el año 70 colaborando en la revista Trinca, haciendo varias historias; de ellas recuerda ver las primeras páginas publicadas y parecerle espantosas, ya que no dominaba aún la técnica.

Tras esta primera experiencia, Azpiri toma la decisión de dedicarse a dibujar, pero en España no había mercado. Así que su próximo paso sería haciendo historias eróticas para Italia durante 6 años, al ritmo de unas 240 páginas mensuales!. Esto le sirve de inspiración para crear a Lorna en 1979, cuando la revista Mastia le encarga una historieta: el personaje es el resultado de mezclar su trabajo erótico anterior con la ciencia ficción, su gran afición. El propio autor ha dicho al respecto en esta completa entrevista “Cuando hice los primeros dibujos, la acompañé de un robot que no tiene nada que ver con el Arnold actual. La editorial me dijo que tenía que hacer un robot que se pareciera a C3PO de “La Guerra de las Galaxias“. Yo algunas veces he querido destruir ese robot, para volver a hacerlo de nuevo, pero ahora me da un poco de miedo. Ya son muchas historias con los personajes, y en vez de destruirle le acoplé un compañero nuevo: ADL, un robot mariquita.
Últimamente en las historias van saliendo menos los robots, ya no son tan cómicas como eran al principio. Ahora Lorna no es la señora que se dedicaba a tirarse a todo bicho viviente… aunque era divertido, ahora estoy haciendo otras cosas también muy divertidas.” De las aventuras de Lorna tiene varios álbumes, el último “Las torres negras” del 2006.

En 1988 el periódico El País se pone en contacto con Alfonso Azpiri para hacer curiosamente un cómic para niños que se publicaría en el espacio infantil El Pequeño País. A Azpiri le pilló de sorpresa, dado que es un género en el que no se movía y no tenía la menor idea de lo que hacer. Finalmente un amigo le aconsejó dibujar acerca de un monstruo y un niño, y ahí tenemos a Mot (Movimientos Orgánicos Telúricos) y al tímido niño Leo. A pesar de no creer mucho en la historia, ésta tuvo un inesperado éxito y posteriormente se hizo un videojuego y una serie de dibujos animados. A principios del 2009 Planeta de Agostini ha recopilado en 2 tomos las historias de Mot. Para nostálgicos.

Otra faceta “azpiresca” que no podemos olvidar es la de autor de las portadas más emblemáticas de videojuegos de los 80: Rocky, Lorna, La Colmena, After the War, Tuareg, Camelot Warriors, Satán, Army Moves, Viaje al Centro de la Tierra, Sirwood, entre muchas otras, ya que realizó unas 200 ilustraciones para este cometido. Podríamos hablar de la evolución de los incipientes videojuegos a través de las carátulas de Azpiri: ilustraciones realizadas en acuarelas, de colores vivos, dinámicas y rebosantes de detalles, que marcaron el estilo de gran parte de las portadas de esa década.
Me entero precisamente ahora que de nuevo Planeta de Agostini acaba de recopilar sus portadas en el libro “Spectrum. El arte para videojuegos de Azpiri”. Se habla también de la posibilidad de que esté incluido material inédito y no publicado. La editorial lo presenta así “Hubo un tiempo en que la imaginación, la ilusión y el deseo formaban parte del núcleo duro del ocio y el entretenimiento. Era un tiempo primigenio para el desarrollo de la era de los videojuegos modernos, y en él los ilustradores y diseñadores de cubiertas tenían la llave de entrada al fantástico mundo de las primeras aventuras digitales. Y de entre todos esos gigantes, un nombre ha brillado siempre con luz propia: bienvenidos al arte para videojuegos de Alfonso Azpiri”.

El precio, 14,95€. No hay excusa para no comprarlo, estamos de enhorabuena.



Otras obras de Azpiri serían:

Los relatos cortos recopilados en PESADILLAS (1985), OTROS SUEÑOS (1991) y DESPERTARES (2002), conoced la crítica aquí.

REFLEJOS (1994) , SUEÑOS HÚMEDOS (2000)  que ganó el premio a la mejor obra erótica del salón de Barcelona , SUEÑOS HÚMEDOS II (2001), SENSACIONES: EL ARTE DE AZPIRI (2001),  CEMENTERIO ESTELAR (2005) , XECUENCIAS (2006), DESDE EL INFIERNO (2007) y LOS BURDELES DE AD-DARA (2008), son sus trabajos más destacados. Además, Alfonso Azpiri ha colaborado en storyboard, diseños de escenarios y alguna portada de películas españolas.

Tenemos un ejemplo de autor que ha  sido reconocido internacionalmente  debido a su “trabajo, esfuerzo y tesón”, que nunca dice “no” a un nuevo reto ni a una entrevista, y que incluso en su página web además de poder comprar originales, puedes hacer una petición  de  ilustración a diferentes tamaños y técnicas. Esto es “producto interior bruto” y lo demás son tonterías.

Gente, espero que pongáis vuestra opinión personal de este autor en los comentarios.

nectarina.

Hoy me han dado un modesto premio, pero una gran satisfacción. Esta web ha concedido a Trazos de Tinta su consideración de Premio Blog del Día en su categoría de cultura, lo que les agradezco un montón. Podéis leer allí la pequeña entrevista que me hacen. Firmo autógrafos, jaja!! Fuera de coña, pasaros por su blog porque podéis descubrir  páginas acordes con vuestros intereses y que merezcan la pena.

Nos vemos!

nectarina

Andaba yo buscando alguna pequeña historia para subir a Trazos de Tinta. Y me acordé de Space Girl, del GRAN Travis Charest. Un cómic de 52 viñetas con guión y dibujos de este artista, publicado vía on line y realizado en la época en la que el autor estaba inmerso en el proyecto de Dreamshifters (versión de La Casta de los Metabarones, de Jodorowsky / Giménez), allá por el 2004. Se encontraba en Francia dedicado a estos menesteres, cuando empezó a procesar Space Girl como vía de escape, debido a lo absorbido que estaba con cada página de los Metabarones. Además, le apetecía practicar dibujando una protagonista femenina que carecía en Dreamshifters.

Para Space Girl, fue colgando una viñeta de vez en cuando en su página de MSN compartiéndola así con sus fans. Prácticamente toda la historia está en blanco y negro, y seamos sinceros, el guión no es nada del otro mundo (bueno sí, es del espacio, jaja), pero ay! los dibujos, cada viñeta es una ilustración completa, no hay escenas de relleno. Actualmente ya se ha editado en papel Space Girl1, aunque si no me equivoco no hay versión traducida. En estos momentos está dibujando la segunda parte de la historia.

Charest se dio a conocer en los 90 como el “dibujante que desbancó a Jim Lee“, referente modelo de la industria norteamericana, y decir eso ya es bastante. Empezó imitando el estilo de este artista cuando le suplantó en los Wildcats,, y fue evolucionando a un estilo propio menos convencional, perfeccionista al máximo, de composiciones muy estudiadas; me llaman la atención los “cachivaches” que dibuja, ya sean pistolas, cascos, naves o similares, con un aspecto retro que me encanta!

En Dreamshifters, Charest se había emocionado tanto con la idea de continuar la saga de Jodorowsky que se comprometió a hacer el dibujo, las tintas, el color…pero le quedó “grande”, en el sentido de la magnitud del proyecto, que no del resultado. Como casi todos los seguidores de Charest saben, en el 2007 le relevaron como dibujante de Dreamshifters debido a su mítica lentitud, ya que sólo realizó 30 páginas en 7 años que duró el proyecto (2000-2007). Una auténtica pasada. Eso sí, cada ilustración que hizo es una maravilla, sudor y sangre le costó.

Travis Charest no tiene una producción muy extensa por esta misma razón. Principalmente se ha dedicado a hacer portadas de cómics e ilustraciones, porque el ritmo frenético que tiene la publicación de los cómics estadounidenses no lo puede seguir. Ahora le tenemos de vuelta, contratado por Marvel para el Capitán América, así que sus seguidores estamos de suerte.

Welcome back, Travis!!

nectarina.

Ver el resto aquí.

Pero no hay casualidad en Chema Madoz. En sus fotografías, nada es lo que parece.

El autor busca intencionadamente estos juegos, altera los objetos retratados “poniendo de relieve lo frágil que es el concepto que tenemos de realidad. Con unas manipulaciones elementales, muy simples, podemos pasar de un nivel de la realidad a otro”, decía Madoz.

Este fotógrafo madrileño, Premio Nacional de Fotografía y Photoespaña en el año 2000, usa para sus paradojas visuales objetos cotidianos: piedras que nunca hacen su pesada función: las utiliza como un globo, la copa de un árbol, o un signo de admiración. Gotas de agua tratadas escultóricamente; tableros y piezas de ajedrez se mezclan con notas musicales produciendo diferentes resultados estéticos; herramientas, relojes…el silencioso imaginario de Chema Madoz, cercano y extraño al mismo tiempo, hipnotiza al espectador mágicamente.

Y es ese hipnotismo el que me ha hecho compartir este fotógrafo hoy con vosotros, aunque Trazos de Tinta no tenga por costumbre tratar de temas fuera de la ilustración y los cómics, hacemos una (creo que acertada) excepción.

Chema Madoz llegó a esta profesión no por vocación, sino casi de casualidad: su gusto por la imagen, la pintura, los cómics, el cine, le llevó a estudiar Historia del Arte y también Fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen; sin embargo nunca pensó que la fotografía pudiera usarse para contar cosas, y mucho menos que iba a vivir de ello. En realidad trabajaba en un banco, pero lo detestaba y quería abandonarlo.  En ese momento se dedicaba a hacer fotografías y decidió centrarse en ello. Y menos mal.

Su creación tiene diversas influencias: pintura, escultura, cine, publicidad…pero son las corrientes vanguardistas de principio del siglo XX las más reconocibles en su obra: dadaísmo y surrealismo; también arte conceptual, minimalismo, incluso land art. Los guiños a los que hace referencia sus fotografías se han relacionado con las greguerías de Ramón Gómez de la Serna (humor+metáfora) de las que aquí pongo unos ejemplos:
Intenté suicidarme, y casi me mato
La escritura china es un cementerio de letras.
La cebra el el animal que luce por fuera su radiografía interior.
Estamos mirando el abismo de la vejez y los niños vienen por detrás y nos empujan.

Los objetos están descontextualizados, fuera de su entorno natural, dotados de nuevos significados pero dentro de unos códigos reconocibles para el público. El blanco y negro crea una distancia que mantiene el autor con el objeto retratado, y resalta lo poético del mensaje.

Si la fotografía estaba concebida como testimonio de la realidad, de un tiempo y un espacio concreto, a Madoz lo que le estimula es “jugar con los elementos que intervienen en la imagen, falsear la realidad” según sus propias palabras. Y así es: sus fotografías son atemporales, no hay emoción, pero sí una fuerza visual tremenda, y siempre sentimos ese efecto sorpresa buscado por el fotógrafo. El contrapunto lo tenemos en la luz natural con la que trabaja, y que dota a las imágenes de un equilibrio a ese artificio.

Es curioso como Chema Madoz parece invertir el método de creación de un fotógrafo: siempre tiene la foto previamente pensada antes de lanzarse a hacerla: “Al principio salía con la cámara por ahí, a ver qué pasaba. Luego cambié, porque me di cuenta de que cuando hacía eso, lo que en realidad quería era encontrarme con cosas que ya tenía en la cabeza y que quería fotografiar. Entonces pasé a provocar la situación antes que a desear encontrarme con ella, y es lo que hago ahora, me pongo a disparar cuando sé lo que quiero contar y cómo lo quiero hacer. Antes de empezar a fotografiar, lo que hago es empezar a tomar notas y apuntes y algunos bocetos para no olvidarme de nada y tenerlo todo muy presente. Luego preparo toda la composición y entonces ya empiezo a disparar”.

Deja patente que no deja nada al azar, a la espontaneidad que caracteriza la fotografía. Todo es racional, “hasta la luz es a veces tratada de forma objetual” ; la manipulación es tal que hay piezas retratadas que no existían anteriormente, están creadas para una idea concreta. Su mirada es neutra, fría y analítica. No hay puntos de vista forzados, ni dramatismo alguno.

Si al principio de su carrera aparecían paisajes y figura humana, esta práctica la abandonó en los últimos años, centrándose en los objetos: “En los principios es algo ineludible el fijarte en las personas y el entorno. Pero poco a poco me fui dando cuenta de que las figuras humanas y los paisajes eran simples excusas, y yo tendía a centrarme más en aspectos formales que en la propia psicología del personaje. Así es que, de forma natural, mi mirada fue prescindiendo de esos elementos y se fue centrando en el mundo de los objetos. Me imagino que también tuvo que ver el hecho de que soy muy tímido y muy lento trabajando, y me encontraba incómodo frente a un modelo que tenía que estar posando para mí; me siento más a gusto rodeado de objetos a los que yo puedo ir manipulando. En realidad todo forma parte de un proceso muy natural, como es el de contar cosas con los mínimos elementos posibles”

Sus medios técnicos no son sofisticados: utiliza una cámara Hasselblat del año 1958, que le da una calidad fantástica, así que le basta y le sobra para conseguir sus propósitos. Su estudio, es también fuera de lo convencional: una especie de taller lleno de cachivaches, más propio de un inventor que de un fotógrafo. Todos los objetos que ha retratado los guarda allí, la mayoría desmontados, a modo de extravagante museo.

Una solitaria búsqueda de nuevas ideas; una manera de vivir y sentir, de contar historias.
Así es Madoz, un fotógrafo ajeno a este mundo.

nectarina.

Obra destacada:

-Chema Madoz. Colección Photobolsillo (Ediciones La Fábrica) 2002
-Fotopoemario.  Chema Madoz y Joan Brossa. La Fábrica (2003)
Según descripción de la editorial: resultado de un esfuerzo conjunto entre el poeta Joan Brossa (Barcelona, 1919 – 1998) y el fotógrafo Chama Madoz (Madrid, 1958); ambos, desde la palabra el primero y desde la imagen el segundo, consiguen ofrecer una verdadera demostración de cómo, si bien una imagen puede valer más que mil palabras, un poema puede ofrecernos una gran imagen. Una colección de imágenes de uno de nuestros fotógrafos más internacionales comentadas por el mejor de nuestros poetas visuales.

-Chema Madoz  2000-2005 (Ediciones Aldeasa). 2006 Este es el catálogo de la exposición de la Fundación Telefónica que tuvo lugar del 1 de febrero al 21 de mayo del 2006. Imprescindible

Hoy cambiamos formato: el blog de cómics La Caraviñeta me invitó amablemente a contribuir en su sección escribiendo un post sobre una obra o autor que eligiera. De vez en cuando la red te brinda la oportunidad de dar con personas que merezcan la pena, en este caso ha sido todo un placer conocer “virtualmente” a su autor, Angux; la presentación que hizo en el post que escribí es entrañable.

Mi aportación ha sido Elektra Lives Again, de Frank Miller (1990) Si queréis descubrir el por qué de esta elección, sólo tenéis que hacer una visita…podéis venir sin avisar! Estáis todos invitados.

Y vosotros, lectores, no dejéis de entrar en su página asidualmente.

nectarina

Dentro de mi repertorio de ilustradores infantiles hoy le ha tocado a esta autora española. La conocía desde el 2005, allá por la época que descubrí a Rebecca Dautremer, y ya era hora de hacerla un hueco. Porque tiene un estilo que me entusiasma. Un día encontré una resumidísima versión de La Princesa y el Guisante de Andersen, un libro de muy pequeño formato editado por Anaya; la portada sin la típica princesa cursi de los cuentos clásicos me hizo abrir el librito, encontrándome con dibujos muy expresivos: figuras humanas de rotundos volúmenes , con enormes cuellos, caras pálidas de pequeñísimos ojos y coloreados mofletes, con un aspecto casi siniestro. Los detallados y coloridos trajes destacaban en los austeros y apagados fondos.

Y es ese contraste entre grotesco y sutil tan característico de Odriozola el que me llama la atención. Cuando me topo con un libro de esta autora que no conozco, tardo medio segundo en saber que son de ella.

Sus ilustraciones tienen un extraño encanto.
Ya sabéis que no me conformo con cualquier cosa.

Esta ilustradora vasca nacida en 1967 de familia de pintores, estudió artes decorativas y empezó ilustrando libros de texto. Después trabajó ocho años en agencias de publicidad, donde  esporádicamente tenía algunos encargos para dibujar. La agencia en la que trabajaba se cerró, y en 1997 decidió dedicarse por entero a la ilustración  como un proceso natural: sus hermanas y ella dibujaban desde pequeñitas porque era lo que su padre les inculcaba, así que esto era un paso más.

Me parece muy curioso que una ilustradora infantil afirme que no tiene en cuenta a los niños a la hora de dibujar. Piensa que sería demasiado simple considerar a todos los niños por igual, ¿por qué razón si esto no lo hacemos con los adultos? La autora hace lo que le gusta hacer, lo que siente, lo que le emociona. Lo que te haga pensar: “¿cómo se le ha ocurrido esto?”

Y partiendo de esa premisa, su arte llegará a quien tenga que llegar, más allá de ceñirse al texto y a la técnica en sí.
Por eso sus dibujos destilan personalidad propia…sorprenden, porque porque expresan el sentimiento de la artista, sin estar condicionada por un público objetivo, ni tampoco por los editores ni los escritores de los libros: según Odriozola, no podría hacer algo que está en la cabeza del otro pero no en la suya, sino que ella hace lo que ve, y a su manera, usando la imaginación. Y a quien no le guste, que no mire, en resumidas cuentas.

"Como los bostezos son tan contagiosos, todo el palacio andaba con la boca abierta: el rey bostezaba, la reina bostezaba, los ministros bostezaban...¡hasta el gato y el perro del jardinero bostezaban!"

El texto le marca lo que tiene que dibujar, pero hay que interpretarlo: “Intento transmitir lo que veo en el texto y algo más. Dar mi punto de vista sin limitarme a dibujar literalmente lo que está escrito” En cuanto a la finalidad de su creación, es contundente también:
«Yo no quiero conseguir nada en concreto, lo que busco es divertirme y disfrutar, y por supuesto, hacer algo bonito. Expreso lo que siento con mis dibujos, pero no busco nada más», aclara. «Si yo siento lo que hago y me gusta, es suficiente, por lo menos para mí»
Tiene las ideas claras.
Elena Odriozola empezó coloreando con acuarelas y de un tiempo acá prácticamente las ha dejado de lado para pasarse a las tintas de colores, también algo de lápiz y acrílico. Sin embargo es crítica con su trabajo “Veo dibujos de hace años, incluso algunos de hace cinco años, y me parecen horrorosos. He ido cambiado y supongo que será por eso”
En el 2006 el Ministerio de Cultura concedió a Elena Odriozola  el Segundo Premio a las Mejores Ilustraciones de Libros Infantiles y Juveniles  por La princesa que bostezaba a todas horas (2005), escrito por Carmen Gil.

Hasta la próxima,

nectarina.

Bibliografía destacada:

- La historia de Noé. Los Cuatro Azules, 2008.
- Un regalo del cielo. SM, 2007.
- Marte y las princesas voladoras. Fondo de Cultura Económica, 2006.
- El viento de los sauces. Anaya, 2006.
- Cuando sale la luna. Thule ediciones, 2006.
- Bichos raros Ediciones. SM, 2006.
- La bella mandarina. Imaginarium, 2005.
- La princesa que bostezaba a todas horas. OQO, 2005.
- Peter Pan. Edebé, 2005.
- El arca y yo. Anaya, 2004.
- La Sirenita y otros cuentos. Anaya, 2004.
- Poemas para las horas y los minutos. Edelvives, 2003.
- La Princesa y el guisante. Anaya, 2003.
- Margarita. Imaginarium, 2003.

Os presento mi portfolio en el que recopilo mis trabajos de ilustración y diseño gráfico. Es un pequeño proyecto que llevaba algunos años con intención de terminar. De hecho, maqueté un principio de web en Flash, con algunas animaciones incluso. Esto se me complicó cada vez más y yo no tenía los conocimientos técnicos necesarios, así que lo aparqué.

Después llegó Trazos de Tinta, que me metió cada vez más en el mundillo de los blogs. Y me dije: si ya tengo un blog de ilustración, por qué no hacerme otro y convertirlo en mi porfolio? Ahora es muy fácil (y gratis incluso) tener tu propia web. Y así lo retomé. Sin embargo no quería una plantilla de Wordpress tal cual;  ya tenía mi diseño preconcebido de Nectarina Design, y mi intención es que se pareciese lo más posible.

He quedado satisfecha con el resultado: he insertado mi logo y cambiado los colores a mi antojo, así como quebraderos de cabeza varios. Hay que retocar muchas cosas (por ejemplo la plantilla está en inglés), pero poco a poco iré hilando fino, al igual que hago con Trazos de Tinta, que he ido modificando y mejorando con el tiempo.

Una última cosa: dar las gracias a mi novio, al que le he dado bastante la lata con esto (como con casi todo, jaja) y a Leo, por el empujón final.

http://www.nectarinadesign.com/

Un abrazo,

nectarina.

Liberty Meadows es un sanatorio al aire libre para animales que perdieron su hábitat natural…y su cordura. Lo regentan la guapísima y divertida Brandy y el tímido veterinario Frank.  Ambos hacen terapia a unos psicóticos animales (que por supuesto hablan e interactúan con las personas) cada cual más extravagante:

Como trío gamberro tenemos a RALPH, el oso enano de circo rescatado de un entrenador abusivo, y a su compañero de bromas pesadas, LESLIE,la rana hipocondríaca que perdió su hogar cuando drenaron su pantano. Por otro lado está DEAN, un cerdo machista y soez enganchado al alcohol y al tabaco. También tenemos personajes tiernos e inofensivos como son TRUMAN, patito superviviente a un accidente petrolero, y la mascota OSCAR, el perro salchicha  de la protagonista, el único personaje que hace de eso, un perro sin más (basado en el perro del autor, llamado Truman, como el patito).

El FRANK de Liberty Meadows está basado en el personaje de Woody Allen, “un auténtico perdedor”. El autor a veces se autorretrata como FRANK EL MONO,  un gorila pintor. A Cho le entusiasma dibujar monos y gorilas, le resultan animales muy divertidos.  Otro de los humanos que aparece en la serie es JULIUS, el director del centro obsesionado con vengarse de KHAN, el pez gigante del lago…

El autor: FRANK CHO, de origen surcoreano aunque residente en EEUU desde que era niño; (su nombre verdadero es Duk , pronunciado como “duck”( pato), provocando que cada vez que lo llamaba la profesora para salir a la pizarra, sus compañeros contestaran al unísono “cuac,cuac,cuac”- Así que se lo cambió a Frank. A su favor diré que nunca recibió clases artísticas de ningún tipo, sino que aprendió a dibujar y escribir de manera autodidacta leyendo cómics y libros de arte. De hecho, estudió enfermería.

Los dibujos en blanco y negro de Liberty Meadows se caracterizan por no ser nada sencillos para lo que requiere una tira cómica;  el realismo y exuberancia de la protagonista (muy al estilo Adam Hughes) contrasta con el dibujo cartoon de los animales. El autor comenzó en esto de pura casualidad en el instituto, donde un compañero director del periódico le pidió que dibujase una tira cómica mensual. Frank aceptó, dado que no le gustaba el panorama que había con dibujos muy simples…y poco cómicos para su gusto. Ahí se generó University2, la precuela de lo que posteriormente sería Liberty Meadows.

El humor de Cho es políticamente incorrecto, y parodia en muchas ocasiones a películas o personajes americanos, e incluso a dibujantes de otras tiras cómicas…esto le ha llevado a una lucha continua con los editores del periódico Washington Post donde publicaba sus tiras, que continuamente le censuraban y censuraban viñetas. Esta circunstancia es aprovechada por el autor para reírse de ello también: hay viñetas censuradas en las que sustituye la imagen por un texto con lo que debería haber dibujado…el efecto es más hilarante aún. Cho por lo general, se toma muchas licencias en la creación de Liberty Meadows: hace lo que le viene en gana (cuando le dejan).

El resultado es una tira cómica muy fresca, en la que todos están locos de atar! Los animales, los humanos, y hasta el autor. Y por qué no…sus lectores también. Si te sientes identificado con alguno de sus personajes…je je tienes un problema!

nectarina.

Ah! Puestos a recomendar tiras cómicas, os animo a que en los comentarios nos propongáis alguna que os guste para compartirlo con los lectores de Trazos de Tinta. Venga, vamos, a qué esperas!

Enlaces:

http://www.libertymeadows.com/

Web oficial

http://www.guiadelcomic.com/comics/liberty_meadows.htm

Mucha y completa información y links externos

Podéis descargar los cómics aquí:

http://rapidshare.com/files/100211575/Liberty_Meadows_01__CRG__Por_Greg-1.cbr
http://rapidshare.com/files/100215090/Liberty_Meadows_02__CRG__Por_Greg-1.cbr
http://rapidshare.com/files/100217360/Liberty_Meadows_03__traducido_CRG.ES_.cbr
http://rapidshare.com/files/100218899/Liberty_Meadows_04__CRG__Por_Greg-1.cbr
http://rapidshare.com/files/100208860/Liberty_Meadows_05__19-II-2000_a_15-IX-2000__-_Frank_Cho.cbr
http://rapidshare.com/files/100220146/Liberty_Meadows_06__CRG__Por_Greg-1.cbr
http://rapidshare.com/files/100203927/Liberty_Meadows_07__CRG__Por_Greg-1.cbr
http://rapidshare.com/files/100205185/Liberty_Meadows_08__CRG__Por_Greg-1.cbr

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Este cómic es uno de mis preferidos, y lo recuerdo con mucho cariño. Fue uno de los  primeros que leí y que tuve, los dos tomos editados por Toutain Editor y que hace unos años reeditaron en un solo volumen en Ediciones 11:11. Es una buena elección para aproximarte a los cómics si no estás muy familiarizado: un dibujo detallado y preciso de la calidad que aporta Juan Giménez, en blanco y negro, y el guión de Barreiro, tan bien estructurado que parece que estás viendo una película de acción.

El cómic empieza cuando el protagonista, Jean, tras discutir una noche con su novia decide volver a casa caminando. A los pocos minutos de recorrer lo que creía ser su barrio, se pierde por la ciudad, encontrándose con calles desconocidas para él, una ciudad desierta, arrasada, y a pesar de ser ya por la mañana, no ha amanecido.  Ya no hay vuelta atrás, la Ciudad acaba de acogerle en sus brazos. Allí encontrará a Karen, otro “naúfrago” perdido; ambos  buscarán juntos una manera de escapar de esa maldita urbe que parece no tener salida, y a su vez tendrán que sobrevivir a sus trampas.

La historia está dividida en doce capítulos, de los cuales cada uno de ellos contienen un pequeño relato dentro del argumento general. De forma dinámica,  los escenarios de la metrópolis cambian y nos van presentando a más personajes, cada cual más extraño, pero todos tienen en común que han aparecido en la Ciudad de la misma manera, y que tampoco pueden salir…su cometido será llegar al centro de esa inmensa ciudad, donde según la leyenda hay una gigantesca plaza circular, y en medio de ella un ascensor; el ascensor que lleva a la única salida… no sabemos si de la ciudad, o de la muerte, como última trampa macabra de la ciudad. Quien se atreve a introducirse en él y pulsar el único botón que tiene, nunca más regresa.

Las referencias exteriores son abundantes: El Aleph de Borges es tomado como fuente, al tratar de lo infinito, lo inabarcable, lo laberíntico, y donde los autores hacen un guiño en el cartel de una calle de la Ciudad, llamada Rue Le Aleph.Se hace alusión al Diluvio Universal en el capítulo 7;  el número 9 es titulado Jardín de las Delicias; al mito de Cthulhu, cuando llegan al Pueblo Catedral; al flautista de Hamelin en el personaje del vagabundo músico al que las ratas le son inseparables desde que llegó a la ciudad; también nuestros protagonistas se topan con Dracula, Frankenstein, La Momia, El Hombre Lobo y Alien, y curiosamente no hacen daño a los humanos, ya que éstos les han creado con la materia de nuestras leyendas y sueños. Es el mundo al revés, todo es posible en la Ciudad.

El guión no se plantea de forma cerrada, no se explica cómo llegan los náufragos allí ni por qué, y acaba con la misma incógnita. El extraterrestre Eternauta (personaje creado por Oesterheld) plantea algunas cuestiones en el último capítulo:

-¿Cuál es la realidad? ¿Puedo estar yo mismo seguro de mi propia existencia? La ciudad es un lugar fantástico, quizá la intersección en un punto infinito de todos los continums espacio temporales de la tierra…aquí no existe lo imposible. No hay lógica ni reglas; estamos en el infierno y en el paraíso, al mismo tiempo en el Aleph de Borges o la infundiblula cronosinclástica de Voneguth. En el todo y la nada.
¿Y si acaso la ciudad fuera un fantástico experimento ejecutado por una súper  raza extraterrestre…?¿O si fuera tan solo una delirante pesadilla colectiva?¿Y si ninguno existimos realmente? ¿Si fuéramos tan solo personajes de una novela?…¿de un filme? O por qué no…¿acaso de una historieta…?

Y en ese lugar fantástico donde cualquier cosa puede pasar, Giménez da rienda suelta a su imaginario dibujando extravagantes personajes, monstruos fantásticos, extraterrestres, enmarcado en una detalladísima arquitectura. El artista comenta acerca de su proceso creativo:

“ Hay que sentir una curiosidad permanente, que se puede expresar en la frase “¿Cómo quedaría esta secuencia o este ángulo o este color si lo hiciera o aplicara de esta forma?” Esta curiosidad es peligrosa porque atenta contra el tiempo de producción, pero sin ella el estancamiento profesional se adivina en la vuelta de la esquina.
Cuando esa idea dentro de tu cerebro surge y la transmisión nerviosa pasa a tu brazo con decisión, y la mano se mueve con precisión reproduciendo esa idea al 70%… es que vas por buen camino, aunque habrá que seguir trabajando para aumentar ese porcentaje hasta acercarlo todo lo posible al 100%.
Casi siempre suelo afrontar la creación de una página de la misma manera. Primero escribo todo el libro y lo preparo, para así saber qué páginas van a ser dobles, etc., para lo cual comprimo otras partes de la historia que considero menos interesantes. El segundo paso es pasar a limpio ese boceto, retocar los enfoques que quizás surgieron intuitivamente pero que luego descubres que hay que cambiar o que decides que no sirven para nada. Las formas quedan así perfiladas con bastante certeza.”

Un par de años después, Giménez dibuja junto a Jodorowsky su obra cumbre, La Casta de los Metabarones, cómic clave dentro de la ciencia ficción, que dura 10 años de trabajo. Pero esa es otra historia…

Dejemos que la Ciudad nos envuelva y nos aprisione también a los lectores.

nectarina.

http://www.juangimenez.com/
http://trazosenelbloc.blogspot.com/2007/02/crtica-ciudad-de-ricardo-barreiro-juan.html
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