Hoy me han dado un modesto premio, pero una gran satisfacción. Esta web ha concedido a Trazos de Tinta su consideración de Premio Blog del Día en su categoría de cultura, lo que les agradezco un montón. Podéis leer allí la pequeña entrevista que me hacen. Firmo autógrafos, jaja!! Fuera de coña, pasaros por su blog porque podéis descubrir  páginas acordes con vuestros intereses y que merezcan la pena.

Nos vemos!

nectarina

Pero no hay casualidad en Chema Madoz. En sus fotografías, nada es lo que parece.

El autor busca intencionadamente estos juegos, altera los objetos retratados “poniendo de relieve lo frágil que es el concepto que tenemos de realidad. Con unas manipulaciones elementales, muy simples, podemos pasar de un nivel de la realidad a otro”, decía Madoz.

Este fotógrafo madrileño, Premio Nacional de Fotografía y Photoespaña en el año 2000, usa para sus paradojas visuales objetos cotidianos: piedras que nunca hacen su pesada función: las utiliza como un globo, la copa de un árbol, o un signo de admiración. Gotas de agua tratadas escultóricamente; tableros y piezas de ajedrez se mezclan con notas musicales produciendo diferentes resultados estéticos; herramientas, relojes…el silencioso imaginario de Chema Madoz, cercano y extraño al mismo tiempo, hipnotiza al espectador mágicamente.

Y es ese hipnotismo el que me ha hecho compartir este fotógrafo hoy con vosotros, aunque Trazos de Tinta no tenga por costumbre tratar de temas fuera de la ilustración y los cómics, hacemos una (creo que acertada) excepción.

Chema Madoz llegó a esta profesión no por vocación, sino casi de casualidad: su gusto por la imagen, la pintura, los cómics, el cine, le llevó a estudiar Historia del Arte y también Fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen; sin embargo nunca pensó que la fotografía pudiera usarse para contar cosas, y mucho menos que iba a vivir de ello. En realidad trabajaba en un banco, pero lo detestaba y quería abandonarlo.  En ese momento se dedicaba a hacer fotografías y decidió centrarse en ello. Y menos mal.

Su creación tiene diversas influencias: pintura, escultura, cine, publicidad…pero son las corrientes vanguardistas de principio del siglo XX las más reconocibles en su obra: dadaísmo y surrealismo; también arte conceptual, minimalismo, incluso land art. Los guiños a los que hace referencia sus fotografías se han relacionado con las greguerías de Ramón Gómez de la Serna (humor+metáfora) de las que aquí pongo unos ejemplos:
Intenté suicidarme, y casi me mato
La escritura china es un cementerio de letras.
La cebra el el animal que luce por fuera su radiografía interior.
Estamos mirando el abismo de la vejez y los niños vienen por detrás y nos empujan.

Los objetos están descontextualizados, fuera de su entorno natural, dotados de nuevos significados pero dentro de unos códigos reconocibles para el público. El blanco y negro crea una distancia que mantiene el autor con el objeto retratado, y resalta lo poético del mensaje.

Si la fotografía estaba concebida como testimonio de la realidad, de un tiempo y un espacio concreto, a Madoz lo que le estimula es “jugar con los elementos que intervienen en la imagen, falsear la realidad” según sus propias palabras. Y así es: sus fotografías son atemporales, no hay emoción, pero sí una fuerza visual tremenda, y siempre sentimos ese efecto sorpresa buscado por el fotógrafo. El contrapunto lo tenemos en la luz natural con la que trabaja, y que dota a las imágenes de un equilibrio a ese artificio.

Es curioso como Chema Madoz parece invertir el método de creación de un fotógrafo: siempre tiene la foto previamente pensada antes de lanzarse a hacerla: “Al principio salía con la cámara por ahí, a ver qué pasaba. Luego cambié, porque me di cuenta de que cuando hacía eso, lo que en realidad quería era encontrarme con cosas que ya tenía en la cabeza y que quería fotografiar. Entonces pasé a provocar la situación antes que a desear encontrarme con ella, y es lo que hago ahora, me pongo a disparar cuando sé lo que quiero contar y cómo lo quiero hacer. Antes de empezar a fotografiar, lo que hago es empezar a tomar notas y apuntes y algunos bocetos para no olvidarme de nada y tenerlo todo muy presente. Luego preparo toda la composición y entonces ya empiezo a disparar”.

Deja patente que no deja nada al azar, a la espontaneidad que caracteriza la fotografía. Todo es racional, “hasta la luz es a veces tratada de forma objetual” ; la manipulación es tal que hay piezas retratadas que no existían anteriormente, están creadas para una idea concreta. Su mirada es neutra, fría y analítica. No hay puntos de vista forzados, ni dramatismo alguno.

Si al principio de su carrera aparecían paisajes y figura humana, esta práctica la abandonó en los últimos años, centrándose en los objetos: “En los principios es algo ineludible el fijarte en las personas y el entorno. Pero poco a poco me fui dando cuenta de que las figuras humanas y los paisajes eran simples excusas, y yo tendía a centrarme más en aspectos formales que en la propia psicología del personaje. Así es que, de forma natural, mi mirada fue prescindiendo de esos elementos y se fue centrando en el mundo de los objetos. Me imagino que también tuvo que ver el hecho de que soy muy tímido y muy lento trabajando, y me encontraba incómodo frente a un modelo que tenía que estar posando para mí; me siento más a gusto rodeado de objetos a los que yo puedo ir manipulando. En realidad todo forma parte de un proceso muy natural, como es el de contar cosas con los mínimos elementos posibles”

Sus medios técnicos no son sofisticados: utiliza una cámara Hasselblat del año 1958, que le da una calidad fantástica, así que le basta y le sobra para conseguir sus propósitos. Su estudio, es también fuera de lo convencional: una especie de taller lleno de cachivaches, más propio de un inventor que de un fotógrafo. Todos los objetos que ha retratado los guarda allí, la mayoría desmontados, a modo de extravagante museo.

Una solitaria búsqueda de nuevas ideas; una manera de vivir y sentir, de contar historias.
Así es Madoz, un fotógrafo ajeno a este mundo.

nectarina.

Obra destacada:

-Chema Madoz. Colección Photobolsillo (Ediciones La Fábrica) 2002
-Fotopoemario.  Chema Madoz y Joan Brossa. La Fábrica (2003)
Según descripción de la editorial: resultado de un esfuerzo conjunto entre el poeta Joan Brossa (Barcelona, 1919 – 1998) y el fotógrafo Chama Madoz (Madrid, 1958); ambos, desde la palabra el primero y desde la imagen el segundo, consiguen ofrecer una verdadera demostración de cómo, si bien una imagen puede valer más que mil palabras, un poema puede ofrecernos una gran imagen. Una colección de imágenes de uno de nuestros fotógrafos más internacionales comentadas por el mejor de nuestros poetas visuales.

-Chema Madoz  2000-2005 (Ediciones Aldeasa). 2006 Este es el catálogo de la exposición de la Fundación Telefónica que tuvo lugar del 1 de febrero al 21 de mayo del 2006. Imprescindible

Una muestra de por qué el arte no tiene por qué limitarse a un espacio concreto, ni con unas normas preestablecidas, ni tienen por qué utilizar los materiales convencionales. Un ejemplo de artista para unos, gamberro para otros, pero desconocido para todos. Y además, un fenómeno controvertido donde los haya, pero que a nadie deja indiferente.

Banksy, pseudónimo de un graffitero anónimo inglés, el más cotizado, apreciado y criticado, nos desafía continuamente con sus murales callejeros.
Sus estampados ácidos y subversivos contienen una crítica política-social provocadora, pero resulta irónico que es esa misma élite la que compra sus obras a unos precios desorbitados!

Las calles de Londres son su principal “lienzo”, interactua con la ciudad de forma sorprendente, espontánea, tanto en sucios callejones o contenedores de basura como en las principales estampas propias de una foto turística. Dos líneas amarillas del arcén de una carretera las continua en el muro, creando una gran margarita amarilla. A veces la idea viene de un graffiti ya creado, al que añade sus figuras; otras veces un desconchón en la pared lo convierte en un dibujo; o puede ser que estampe su galería de ratas burlonas en el sitio más inesperado. Pero siempre el resultado impacta, sorprende, te hace pensar en la hipocresía en la que vivimos.

Sus creaciones tienen alto valor estético, con siluetas de niños en negro con globos o una flor. Hay imágenes que te hacen sonreír por su ingenio, como la de la señora de la limpieza escondiendo lo que ha barrido debajo de un muro, o la ventana ficticia donde un marido desconfiado busca al amante de su mujer, y éste está colgado del alféizar. Esta imagen no es gratuita, está colocada en una clínica de enfermedades sexuales…

Según cuenta el autor en unos de sus libros, comenzó en su juventud pintorrejeando los vagones de tren con el lema: “siempre llega tarde”.Aplicaba spray directamente en las superficies, pero en un intento de evadir a la policía decidió cambiar su técnica a las de las plantillas previamente creadas en cartones. Esto le permitió rapidez y gran tamaño, de tal modo que pasa desapercibido (suele trabajar de madrugada, incluso colocando andamios en las paredes…)

Con su peculiar sentido del humor, se ha introducido de incógnito en los principales museos británicos y allí ha dejado su creación, obviamente sin consentimiento. El ejemplo más famoso es la piedra con pinturas prehistóricas donde además de un bisonte vemos un hombre empujando un carrito de la compra!. Pero lo más cachondo es el tiempo que tardaron en darse cuenta…¿en qué estarían pensando los visitantes del Museo Británico al verlo?

Entre sus últimas apariciones, ha organizado una exposición de graffiteros convocados en el túnel ferroviario de la línea Eurostar, donde Banksy nos ha dejado pinturas donde se representa a un buda con collarín o un empleado de la limpieza borrando unas pinturas rupestres.

Qué mejor forma de publicitarse un artista, y a su vez más democrática, que hacer de las calles un museo urbano? Me parece que tanto a quienes les guste como a quienes no, queda Banksy para rato!

nectarina.

Enlaces:
http://banksy.co.uk/
La web del autor, donde además de encontrar su vertiente más popular, sus “outdoors”, también encontramos sus “indoors”, dibujos, y lo más curioso, su peculiar manifiesto y unos vídeos donde verle en acción, jeje.

http://www.elpais.com/articulo/cultura/huellas/Banksy/elpepucul/20080302elpepicul_1/Tes
Interesante artículo de El País: “Tras las huellas de Banksy”

http://www.homines.com/arte_xx/banksy/index.htm
Artículo desde el punto de vista de la crítica de arte, estupenda aportación.

http://es.wikipedia.org/wiki/Banksy
Y nuestra querida Wikipedia, siempre tan completa y acertada.

La portada de un tal James Jean era impecable de líneas y color, con muchos detalles que no detectas a primera vista y en los que te recreas después. El título de este cómic de la serie Vértigo de DC tampoco pasa desapercibido…¿qué son, cuentos clásicos en cómic? te preguntas en un primer momento.

Ya picada por la curiosidad das la vuelta al ejemplar y lees la contraportada, donde te explica cómo las Fábulas de los cuentos tradicionales han llegado desterrados a nuestro mundo y han establecido una organización secreta, “Fabletown”, en Manhattan. Tienen que mantener su identidad oculta a nosotros, los “mundanos”.

A estas alturas el cómic ya te parece diferente y divertido, así que lo hojeas y descubres los lápices de Lan Medina y Mark Buckingham , entre otros, dibujando a Lobo Feroz y Snow White y ya te convence de que te va a gustar. Así que te lo llevas. Y por supuesto fue una buena elección.

En un principio iba a dedicarle un post únicamente a la serie de Bill Willingham, pero rebuscando imágenes para colgar en el blog encontré la página oficial de James Jean y me entusiasmó tanto que decidí compartir mi fascinación por este ilustrador con vosotros. De todas formas si queréis una información muy completa sobre este cómic, pinchad aquí.

James Jean, americano de origen chino, es un confeso apasionado de los sketches. Viaja mucho y es precisamente durante sus trayectos donde dedica mucho tiempo a retratar a las personas y lugares con los que se va topando. Dice estar un poco cansado de su faceta profesional más comercial y que quiere volver a sus inicios, sus pinturas.

Aunque Jean se ha dado a conocer principalmente con las portadas de Fábulas, en realidad es un autor que ha hecho desde carteles publicitarios para marcas tan importantes como Nike, a portadas de libros y de discos!! . Actualmente este ilustrador está muy cotizado, ha ganado varios premios y una de sus portadas originales de Fábulas se ha subastado en Ebay por la friolera de 15.000 dólares.

En su páginas web podemos deleitarnos con muchísimas obras, por ejemplo la creación de ilustraciones en sus diversas etapas, desde el boceto al color. También tiene un apartado donde vende sus obras. Entre todo este material gráfico descubrimos al otro James Jean, con una temática a veces ambigua, surrealista, grotesca incluso, pero siempre con ese perfecto acabado.

Esperemos ver pronto algún libro recopilatorio sobre este pedazo de artista.

Más enlaces:

http://trazosdetinta.qadmio.com/james-jean-deja-fabulas.php

Anunciado por el propio James Jean en su web el 26/08/2008. Aquí os dejo traducido del inglés la declaración que deja al respecto.

-http://www.processrecess.com

Otra página de James Jean, donde pone a la venta sus bocetos y pinturas originales.

-http://www.politewinter.com

Y como curiosidad, un portafolio compartido por el artista japonés Kenichi Hoshine, a modo de “conversación pictórica ” entre ambos artistas.

-http://www.jjeanius.net

Página web dedicada exclusivamente a James Jean con mucho mucho contenido. Son muy interesantes las entrevistas al autor, en inglés.

-http://www.thememagazine.com

Exhaustivo reportaje sobre el autor, aquí podéis conocer de primera mano las inquietudes de este ilustrador. Eso sí, en inglés.

¿Sabíais que Miyazaki se licenció en economía? ¿y que la empresa familiar fabricaba piezas para los aviones caza Zero durante la Segunda Guerra Mundial? De ahí le vino su afición por dibujar aviones y todo tipo de artefactos voladores. Que sepáis también que Ghibli (el nombre de sus estudios) designa un tipo de cazas italianos que se utilizaron durante la guerra, aunque en realidad es una palabra de origen africano (viento caliente proveniente del Sáhara). Los aviones y las escenas de vuelo son una constante en el cine de Miyazaki. ¿Y que el mismísimo Neil Gaiman se encargó de la adaptación y traducción de los diálogos al inglés de La Princesa Mononoke?.

Miyazaki en los años 70 participó en las series de Heidi y Marco haciendo el diseño de los personajes y en la producción, junto a Isao Takahata, más tarde co-fundador del Studio Ghibli en 1985. A finales de esta década dirige la serie Conan, el niño del futuro; la película El castillo de Cagliostro fue el primer paso de Miyazaki en el mundo del largometraje. Su incursión en el cómic manga más importante del autor japonés es Nausicaa: 7 volúmenes en blanco y negro que le llevaron 13 años terminarlo, convirtiéndolo en película en 1984 (abarca los dos primeros tomos).

La Princesa Mononoke llevó tres años de duro trabajo con una cantidad ingente de animaciones hechas a mano, supervisadas una a una y muchas redibujadas por el propio Miyazaki. El artista japonés confesó que el proyecto de Mononoke le dejó exhausto y que no volvería a realizar un largometraje tan extenso y trabajoso.
En esta película el Studio Ghibli utilizaron por primera vez imágenes generadas por ordenador y pintura digital, en total unos 15 minutos, lo que aporta un tratado mucho más dinámico y realista a las escenas de acción.
El conflicto entre los humanos y la naturaleza es uno de los temas recurrentes del autor, aunque no se posiciona en sus filmes ni lanza mensajes ecologistas. Esto es representado normalmente mediante los espíritus del bosque: totoro, mononoke, kodamas…son algunos de ellos.

Las transformaciones tanto físicas como de mentalidad,el enfrentamiento a los propios miedos y el cambio es algo que vemos tanto en Chihiro como en El Increíble Castillo Ambulante. El antibelicismo es otro de los temas a tratar. Su familia se había enriquecido en el negocio de las piezas de aviones de guerra mientras otros muchos sufrían grandes penurias, hecho que le marcó profundamente; sus personajes en cambio tienen orígenes humildes.
Aunque Mononoke tenga una temática más violenta y adulta, el cine de Miyazaki está enfocado a los más pequeños. Su enfoque optimista y esperanzador se debe a que crea un mundo como él querría que fuese y no como es en realidad, por supuesto. En palabras del autor: “quiero crear películas que inspiren a los niños”.

Sus películas se alejan de los tópicos tan machacados de Disney, proponiendo un cine de alta calidad tanto artística como argumental. Historias aparentemente sencillas con varias lecturas o interpretaciones, sin olvidarnos que la imaginería japonesa y la mentalidad oriental hace que se nos escapen cosas. Esto requiere un espectador más inteligente, lo que hace que disfrute tanto un público infantil como uno adulto. Y es que los niños no tienen un pelo de tontos, y ellos saben mejor que nadie dónde está lo bueno.
Especial mención hay que hacer a Joe Hisaishi, el creador de la banda sonora de casi todas las pelis de Miyazaki. Sin Hisaishi las animaciones de Miyazaki no tendrían esa atmósfera y encanto.

En resumen, Miyazaki te hará soñar.
nectarina

Fuentes y enlaces:
-http://www.nausicaa.net/miyazaki/miyazaki/index_spanish.html
-http://www.cristalab.com/anime/19016/historia-de-hayao-miyazaki
-http://es.wikipedia.org/wiki/Hayao_Miyazaki

Si tuviese que definir con una palabra los personajes creados por este ilustrador japonés ésa sería MOVIMIENTO. Esas figuras desgarbadas que no paran quietas, que se contornean, posan y parecen disfrutar mirando a la cámara; ¡se van a caer de un momento a otro!
Y es que son diseños de personajes de videojuegos, y claro no es para menos! Ufff pero no esperéis que profundice en el mundo de las playstations y las neogeos porque este no es un blog sobre ese tema! Lo que aquí concierne son los diseños en sí, su arte.

Sus diseños son interesantes desde varios puntos de vista (y nunca mejor dicho): posturas dinámicas, ornamentación y estilismo en los trajes, contraste entre sombras y luces, colores muy brillantes o por el contrario muy apagados; los trazos son dejados a lápiz, sin entintar, lo que los hace aún más espontáneos. El color digital es de una paleta muy limitada pero de gran acierto y control.

Parece que las ilustraciones están sin terminar: a veces las figuras son casi bocetos sin detalles, en blanco y un fondo opaco y monocromo, y esas ilustraciones tienen su encanto.
Falcoon (alias de Tatsuhiko Kanaoka) aporta algo nuevo en cada ilustración, y eso es difícil teniendo en cuenta los cientos de diseños que hace para tal y cual juego. La composición y el color juegan un papel relevante en cada nueva propuesta; sus personajes, ahora exagerados, ahora raros y extraños; en picado, contrapicado, de frente o de tres cuartos; luchando, en parejas, o simplemete posando.

En todos los casos el resultado mola mucho. Si visitas una de esas galerías con tantas y tantas imágenes suyas la verdad es que no puedes dejar de recrearte en cada demostración. Falcoon no sólo hace personajes de videojuegos, también tiene una extensa “colección” de chicas desnudas o semidesnudas o como poco descocadas. El artista admite que le encantan las formas del cuerpo femenino y que siempre está a la búsqueda de nuevas posturas (dice que es a lo que dedica más garabatos).

Algunos tachan sus personajes masculinos de metrosexuales o afeminados, ja ja, a ver si ahora Ryu se echa cremitas y está a dieta!!

A resaltar son aquellas figuras en penumbra, más siniestras y monstruosas, cuyos diseños se diferencian del resto. Falcoon afirma que esos dibujos son los que le permiten más libertad creativa, ya que cuando realiza personajes por todos conocidos está más preocupado de ser fiel a las características propias del personaje.

En una entrevista muy interesante en inglés donde cuenta más cosas sobre él y su proceso creativo que de los videojuegos y personajes (y esto es de agradecer), Falcoon cuenta entre sus aspiraciones más allá de lo que hace actualmente es la ilustración de cómics y el diseñar trajes para el cine. Como anécdota, dice jugar a los videojuegos de las compañías en las que trabaja más como labor de investigación que como disfrute personal!!!Aunque se declara un auténtico fan de los juegos de lucha.

Si queréis algunos datos sobre los trabajos que ha realizado, deciros que empezó con King of Fighters 2003, después colaboró en SNK vs. Capcom: Card Fighters Clash; y también ha diseñado los personajes de juegos como Street Fighter o KOF: Maximum Impact, entre otros. Aunque hay mucho material gráfico en internet es difícil encontrar cosas sobre el artista en sí que no sea en japonés…pero ahí tenéis esa amalgama de imágenes para vuestro uso y disfrute. Hay para todos los gustos.

Esperamos ver a Falcoon en esas nuevas facetas.

nectarina

Enlaces recomendados:

http://falcoon.hp.infoseek.co.jp/gallery2.htm
Su página oficial, en japonés. La más extensa galería e incluso bocetos y tutoriales.
www.sehehial.com/gallery/thumbnails.php?album=34
Web con una galería muy extensa de imágenes de Falcoon.
http://usuarios.lycos.es/gamekof/galeria/galerias.html
Aquí tenéis más imágenes, aunque muchas menos.
http://xbox.ign.com/articles/617/617485p1.html
Otra entrevista a Falcoon, ésta basada en los videojuegos
www.kof10th.com/english/comment/remember_kof.php?num=3
Más entrevistas en inglés, donde habla un poco de todo.