Para los aficionados al cómic, no necesita presentación porque es de sobra conocido. Para los ajenos a este mundo, tal vez su nombre no os diga nada, pero sí sus creaciones: ¿Quién no leía a MOT en el dominical El Pequeño País a principios de los 90? Ese simpático monstruo que salía del armario de un niño para vivir historias fantásticas, no sin llevarse por delante todo lo que estaba a su paso… “Vigila tu armario… En la oscuridad, en el fondo del armario ropero de Leo, brillan unos ojos. Un monstruo se esconde en su interior: Se llama Mot, es gigantesco y voraz, pero también simpático y comodón, prefiere los bocadillos a los niños y tiene una habilidad especial para atravesar puertas interdimensionales que los llevarán a las aventuras más increíbles.” ¿y El Bosque de Lump, también en el mismo suplemento años después? Si todavía no os suena de nada, ¡no habéis tenido infancia!

Bueno, os doy otra pista: su creación más emblemática e internacional es LORNA, la exhuberante rubia ataviada con armas que va acompañada de robots lascivos en sus aventuras estelares. Si os parece, vamos a hacer un repaso a la dilatada trayectoria de este dibujante.

De familia de músicos, (él mismo estudió la carrera de piano), y aunque nunca ha dejado de lado esta faceta, se dedicó profesionalmente a su gran pasión, los lápices y las acuarelas. Su primer acercamiento al cómic se dio en el año 70 colaborando en la revista Trinca, haciendo varias historias; de ellas recuerda ver las primeras páginas publicadas y parecerle espantosas, ya que no dominaba aún la técnica.

Tras esta primera experiencia, Azpiri toma la decisión de dedicarse a dibujar, pero en España no había mercado. Así que su próximo paso sería haciendo historias eróticas para Italia durante 6 años, al ritmo de unas 240 páginas mensuales!. Esto le sirve de inspiración para crear a Lorna en 1979, cuando la revista Mastia le encarga una historieta: el personaje es el resultado de mezclar su trabajo erótico anterior con la ciencia ficción, su gran afición. El propio autor ha dicho al respecto en esta completa entrevista “Cuando hice los primeros dibujos, la acompañé de un robot que no tiene nada que ver con el Arnold actual. La editorial me dijo que tenía que hacer un robot que se pareciera a C3PO de “La Guerra de las Galaxias“. Yo algunas veces he querido destruir ese robot, para volver a hacerlo de nuevo, pero ahora me da un poco de miedo. Ya son muchas historias con los personajes, y en vez de destruirle le acoplé un compañero nuevo: ADL, un robot mariquita.
Últimamente en las historias van saliendo menos los robots, ya no son tan cómicas como eran al principio. Ahora Lorna no es la señora que se dedicaba a tirarse a todo bicho viviente… aunque era divertido, ahora estoy haciendo otras cosas también muy divertidas.” De las aventuras de Lorna tiene varios álbumes, el último “Las torres negras” del 2006.

En 1988 el periódico El País se pone en contacto con Alfonso Azpiri para hacer curiosamente un cómic para niños que se publicaría en el espacio infantil El Pequeño País. A Azpiri le pilló de sorpresa, dado que es un género en el que no se movía y no tenía la menor idea de lo que hacer. Finalmente un amigo le aconsejó dibujar acerca de un monstruo y un niño, y ahí tenemos a Mot (Movimientos Orgánicos Telúricos) y al tímido niño Leo. A pesar de no creer mucho en la historia, ésta tuvo un inesperado éxito y posteriormente se hizo un videojuego y una serie de dibujos animados. A principios del 2009 Planeta de Agostini ha recopilado en 2 tomos las historias de Mot. Para nostálgicos.

Otra faceta “azpiresca” que no podemos olvidar es la de autor de las portadas más emblemáticas de videojuegos de los 80: Rocky, Lorna, La Colmena, After the War, Tuareg, Camelot Warriors, Satán, Army Moves, Viaje al Centro de la Tierra, Sirwood, entre muchas otras, ya que realizó unas 200 ilustraciones para este cometido. Podríamos hablar de la evolución de los incipientes videojuegos a través de las carátulas de Azpiri: ilustraciones realizadas en acuarelas, de colores vivos, dinámicas y rebosantes de detalles, que marcaron el estilo de gran parte de las portadas de esa década.
Me entero precisamente ahora que de nuevo Planeta de Agostini acaba de recopilar sus portadas en el libro “Spectrum. El arte para videojuegos de Azpiri”. Se habla también de la posibilidad de que esté incluido material inédito y no publicado. La editorial lo presenta así “Hubo un tiempo en que la imaginación, la ilusión y el deseo formaban parte del núcleo duro del ocio y el entretenimiento. Era un tiempo primigenio para el desarrollo de la era de los videojuegos modernos, y en él los ilustradores y diseñadores de cubiertas tenían la llave de entrada al fantástico mundo de las primeras aventuras digitales. Y de entre todos esos gigantes, un nombre ha brillado siempre con luz propia: bienvenidos al arte para videojuegos de Alfonso Azpiri”.

El precio, 14,95€. No hay excusa para no comprarlo, estamos de enhorabuena.



Otras obras de Azpiri serían:

Los relatos cortos recopilados en PESADILLAS (1985), OTROS SUEÑOS (1991) y DESPERTARES (2002), conoced la crítica aquí.

REFLEJOS (1994) , SUEÑOS HÚMEDOS (2000)  que ganó el premio a la mejor obra erótica del salón de Barcelona , SUEÑOS HÚMEDOS II (2001), SENSACIONES: EL ARTE DE AZPIRI (2001),  CEMENTERIO ESTELAR (2005) , XECUENCIAS (2006), DESDE EL INFIERNO (2007) y LOS BURDELES DE AD-DARA (2008), son sus trabajos más destacados. Además, Alfonso Azpiri ha colaborado en storyboard, diseños de escenarios y alguna portada de películas españolas.

Tenemos un ejemplo de autor que ha  sido reconocido internacionalmente  debido a su “trabajo, esfuerzo y tesón”, que nunca dice “no” a un nuevo reto ni a una entrevista, y que incluso en su página web además de poder comprar originales, puedes hacer una petición  de  ilustración a diferentes tamaños y técnicas. Esto es “producto interior bruto” y lo demás son tonterías.

Gente, espero que pongáis vuestra opinión personal de este autor en los comentarios.

nectarina.

Andaba yo buscando alguna pequeña historia para subir a Trazos de Tinta. Y me acordé de Space Girl, del GRAN Travis Charest. Un cómic de 52 viñetas con guión y dibujos de este artista, publicado vía on line y realizado en la época en la que el autor estaba inmerso en el proyecto de Dreamshifters (versión de La Casta de los Metabarones, de Jodorowsky / Giménez), allá por el 2004. Se encontraba en Francia dedicado a estos menesteres, cuando empezó a procesar Space Girl como vía de escape, debido a lo absorbido que estaba con cada página de los Metabarones. Además, le apetecía practicar dibujando una protagonista femenina que carecía en Dreamshifters.

Para Space Girl, fue colgando una viñeta de vez en cuando en su página de MSN compartiéndola así con sus fans. Prácticamente toda la historia está en blanco y negro, y seamos sinceros, el guión no es nada del otro mundo (bueno sí, es del espacio, jaja), pero ay! los dibujos, cada viñeta es una ilustración completa, no hay escenas de relleno. Actualmente ya se ha editado en papel Space Girl1, aunque si no me equivoco no hay versión traducida. En estos momentos está dibujando la segunda parte de la historia.

Charest se dio a conocer en los 90 como el “dibujante que desbancó a Jim Lee“, referente modelo de la industria norteamericana, y decir eso ya es bastante. Empezó imitando el estilo de este artista cuando le suplantó en los Wildcats,, y fue evolucionando a un estilo propio menos convencional, perfeccionista al máximo, de composiciones muy estudiadas; me llaman la atención los “cachivaches” que dibuja, ya sean pistolas, cascos, naves o similares, con un aspecto retro que me encanta!

En Dreamshifters, Charest se había emocionado tanto con la idea de continuar la saga de Jodorowsky que se comprometió a hacer el dibujo, las tintas, el color…pero le quedó “grande”, en el sentido de la magnitud del proyecto, que no del resultado. Como casi todos los seguidores de Charest saben, en el 2007 le relevaron como dibujante de Dreamshifters debido a su mítica lentitud, ya que sólo realizó 30 páginas en 7 años que duró el proyecto (2000-2007). Una auténtica pasada. Eso sí, cada ilustración que hizo es una maravilla, sudor y sangre le costó.

Travis Charest no tiene una producción muy extensa por esta misma razón. Principalmente se ha dedicado a hacer portadas de cómics e ilustraciones, porque el ritmo frenético que tiene la publicación de los cómics estadounidenses no lo puede seguir. Ahora le tenemos de vuelta, contratado por Marvel para el Capitán América, así que sus seguidores estamos de suerte.

Welcome back, Travis!!

nectarina.

Ver el resto aquí.

Hoy cambiamos formato: el blog de cómics La Caraviñeta me invitó amablemente a contribuir en su sección escribiendo un post sobre una obra o autor que eligiera. De vez en cuando la red te brinda la oportunidad de dar con personas que merezcan la pena, en este caso ha sido todo un placer conocer “virtualmente” a su autor, Angux; la presentación que hizo en el post que escribí es entrañable.

Mi aportación ha sido Elektra Lives Again, de Frank Miller (1990) Si queréis descubrir el por qué de esta elección, sólo tenéis que hacer una visita…podéis venir sin avisar! Estáis todos invitados.

Y vosotros, lectores, no dejéis de entrar en su página asidualmente.

nectarina

Este cómic es uno de mis preferidos, y lo recuerdo con mucho cariño. Fue uno de los  primeros que leí y que tuve, los dos tomos editados por Toutain Editor y que hace unos años reeditaron en un solo volumen en Ediciones 11:11. Es una buena elección para aproximarte a los cómics si no estás muy familiarizado: un dibujo detallado y preciso de la calidad que aporta Juan Giménez, en blanco y negro, y el guión de Barreiro, tan bien estructurado que parece que estás viendo una película de acción.

El cómic empieza cuando el protagonista, Jean, tras discutir una noche con su novia decide volver a casa caminando. A los pocos minutos de recorrer lo que creía ser su barrio, se pierde por la ciudad, encontrándose con calles desconocidas para él, una ciudad desierta, arrasada, y a pesar de ser ya por la mañana, no ha amanecido.  Ya no hay vuelta atrás, la Ciudad acaba de acogerle en sus brazos. Allí encontrará a Karen, otro “naúfrago” perdido; ambos  buscarán juntos una manera de escapar de esa maldita urbe que parece no tener salida, y a su vez tendrán que sobrevivir a sus trampas.

La historia está dividida en doce capítulos, de los cuales cada uno de ellos contienen un pequeño relato dentro del argumento general. De forma dinámica,  los escenarios de la metrópolis cambian y nos van presentando a más personajes, cada cual más extraño, pero todos tienen en común que han aparecido en la Ciudad de la misma manera, y que tampoco pueden salir…su cometido será llegar al centro de esa inmensa ciudad, donde según la leyenda hay una gigantesca plaza circular, y en medio de ella un ascensor; el ascensor que lleva a la única salida… no sabemos si de la ciudad, o de la muerte, como última trampa macabra de la ciudad. Quien se atreve a introducirse en él y pulsar el único botón que tiene, nunca más regresa.

Las referencias exteriores son abundantes: El Aleph de Borges es tomado como fuente, al tratar de lo infinito, lo inabarcable, lo laberíntico, y donde los autores hacen un guiño en el cartel de una calle de la Ciudad, llamada Rue Le Aleph.Se hace alusión al Diluvio Universal en el capítulo 7;  el número 9 es titulado Jardín de las Delicias; al mito de Cthulhu, cuando llegan al Pueblo Catedral; al flautista de Hamelin en el personaje del vagabundo músico al que las ratas le son inseparables desde que llegó a la ciudad; también nuestros protagonistas se topan con Dracula, Frankenstein, La Momia, El Hombre Lobo y Alien, y curiosamente no hacen daño a los humanos, ya que éstos les han creado con la materia de nuestras leyendas y sueños. Es el mundo al revés, todo es posible en la Ciudad.

El guión no se plantea de forma cerrada, no se explica cómo llegan los náufragos allí ni por qué, y acaba con la misma incógnita. El extraterrestre Eternauta (personaje creado por Oesterheld) plantea algunas cuestiones en el último capítulo:

-¿Cuál es la realidad? ¿Puedo estar yo mismo seguro de mi propia existencia? La ciudad es un lugar fantástico, quizá la intersección en un punto infinito de todos los continums espacio temporales de la tierra…aquí no existe lo imposible. No hay lógica ni reglas; estamos en el infierno y en el paraíso, al mismo tiempo en el Aleph de Borges o la infundiblula cronosinclástica de Voneguth. En el todo y la nada.
¿Y si acaso la ciudad fuera un fantástico experimento ejecutado por una súper  raza extraterrestre…?¿O si fuera tan solo una delirante pesadilla colectiva?¿Y si ninguno existimos realmente? ¿Si fuéramos tan solo personajes de una novela?…¿de un filme? O por qué no…¿acaso de una historieta…?

Y en ese lugar fantástico donde cualquier cosa puede pasar, Giménez da rienda suelta a su imaginario dibujando extravagantes personajes, monstruos fantásticos, extraterrestres, enmarcado en una detalladísima arquitectura. El artista comenta acerca de su proceso creativo:

“ Hay que sentir una curiosidad permanente, que se puede expresar en la frase “¿Cómo quedaría esta secuencia o este ángulo o este color si lo hiciera o aplicara de esta forma?” Esta curiosidad es peligrosa porque atenta contra el tiempo de producción, pero sin ella el estancamiento profesional se adivina en la vuelta de la esquina.
Cuando esa idea dentro de tu cerebro surge y la transmisión nerviosa pasa a tu brazo con decisión, y la mano se mueve con precisión reproduciendo esa idea al 70%… es que vas por buen camino, aunque habrá que seguir trabajando para aumentar ese porcentaje hasta acercarlo todo lo posible al 100%.
Casi siempre suelo afrontar la creación de una página de la misma manera. Primero escribo todo el libro y lo preparo, para así saber qué páginas van a ser dobles, etc., para lo cual comprimo otras partes de la historia que considero menos interesantes. El segundo paso es pasar a limpio ese boceto, retocar los enfoques que quizás surgieron intuitivamente pero que luego descubres que hay que cambiar o que decides que no sirven para nada. Las formas quedan así perfiladas con bastante certeza.”

Un par de años después, Giménez dibuja junto a Jodorowsky su obra cumbre, La Casta de los Metabarones, cómic clave dentro de la ciencia ficción, que dura 10 años de trabajo. Pero esa es otra historia…

Dejemos que la Ciudad nos envuelva y nos aprisione también a los lectores.

nectarina.

http://www.juangimenez.com/
http://trazosenelbloc.blogspot.com/2007/02/crtica-ciudad-de-ricardo-barreiro-juan.html
http://www.zonanegativa.com/?p=4709

Hay historias, por pequeñas que sean, que te impactan y te dejan un recuerdo en la memoria.
Esta es una de ellas.
Hay historias  que no necesitan palabras.
Esta es una de esas historias.
Hay historias hermosas e historias espeluznantes.
Los Ojos del Gato es hermosa y espeluznante a la vez.
Hay imágenes poderosamente evocadoras con apenas elementos y recursos.
Esto, señores, es poesía.

Os dejo con las casi 50 pág de esta obra, ya me diréis qué os parece.

¿Cómo se os queda el cuerpo?
No tengo nada más que decir, las imágenes hablan por sí solas.

Hasta el próximo finde!
nectarina.

Recién estrenada X-MEN ORÍGENES: LOBEZNO, tengo la excusa perfecta para poneos en antecedentes: la obra maestra ARMA X, del gran Barry Windsor-Smith. Este dibujante inglés compartió estudio en Manhattan a  principios de 1975 con otros tres jóvenes artistas, Michael WM. Kaluta, Jeffrey Jones y Bernie Wrightson, casi nada. En esa época era un autor consagrado por Conan the Barbarian.

Arma X se publicó en 1991 como 13 números de 8 páginas cada uno, en el que BWS se manifiesta de nuevo como el creador integral de la obra: dibuja, entinta, colorea, maqueta, hace las portadas…estamos ante una obra de autor de la categoría más alta.

Como sabéis, tanto la película como Arma X narran los orígenes de Lobezno, de cómo el hombre es sometido a un experimento militar donde le revisten los huesos de adamantium y le crean garras de este mismo material, en contra de su voluntad. Sin embargo no pretendáis encontrar en la obra de BWS un cómic de superhéroes, en la línea de la Patrulla X. Estamos ante una historia autoconclusiva, fuera de los cánones de la gran industria, que retrata la violencia, el dolor, la opresión, el miedo, así como la deshumanización no sólo del protagonista, convertido en una máquina de matar, sino de los que los investigardores sin escrúpulos que le someten. Por supuesto tampoco busquemos en la película algo de la genialidad de este cómic.

Todo empezó cuando enviaron a Windsor-Smith un guión de Marvel Comics Presents para que lo dibujara. Era un escrito de 8 páginas que no le gustó, pero sí le interesó la idea de hacer historias cortas, concisas, que pusieran a prueba su talento como narrador. Además el personaje de Logan le atraía, lo había dibujado en alguna ocasión anterior, y le parecía que a pesar de lo del esqueleto de adamantium y sus garras, el tipo era bastante normal.

Cuando comencé no tenía un argumento definitivo, sólo un par de ideas. Me gusta no saber lo que va a pasar a continuación. Al principio iban a ser 3 o 4 guiones, después la cosa evolucionó y se convirtió en algo completamente distinto (…) Cuando ya llevaba dos tercios del trabajo, todo empezó a moverse tan deprisa, que el control se me escapó de las manos. Yo suelo dejar que los personajes se comporten de forma natural, sin forzarlos, así que lo dejé ir. Y entonces se convirtió en un cómic con una continuación emocionante. No lo planeé.

Cada página es una lección artística y narrativa:

Su dibujo, minucioso y expresivo, de líneas pensadas y un profundo conocimiento del cuerpo humano. Recordemos que estamos ante un autor muy perfeccionista, exquisito podríamos decir, al que le gusta tener todo bajo su control. Según Windsor-Smith, el dibujo varió a lo largo del cómic, el primer capítulo que dibujó ahora es el quinto, y parece distinto porque lo hizo más lento y más cuidadoso en los detalles.

La cadencia narrativa, digna de estudio: dispone las viñetas de forma dinámica para servir a la historia, y no al revés. Las escenas están cuidadosamente elegidas, intercalando planos detalle entre vistas más generales. Los diferentes puntos de vista y las formas en las que dispone el texto, nos sumerge en una historia opresiva, terrorífica. Lobezno apenas habla en toda la historia, la información esencial nos la proporcionan los investigadores del experimento.

El autor establece paralelismos estilísticos a los largo de sus viñetas: obsérvense las transiciones entre los cables, las garras, el pelo de Lobezno. Las burbujas de colores del líquido donde se sumerge Lobezno dan paso a las gotas de sangre salpicando la escena, para después encontrarnos azulados copos de nieve. Abundan los planos detalle, y hay mucha información en cada página.

El color de BWS tan característico (las portadas de Conan son una delicia para los sentidos). Utiliza acuarelas donde se mezclan tonos apastelados con otros más brillantes. La tonalidad elegida contribuye al dramatismo de las escenas, utilizando tonos más fríos en las escenas más tranquilas, como los flashbacks,y los cálidos en las violentas.
Hay que decir que este punto fue controvertido en la reedición de años después, donde se utiliza un papel satinado y los colores originales, pensados para el papel barato de aquellos años, dan como resultado colores saturados y chillones que quitan encanto a la obra. Windsor-Smith, exigente donde los haya, se enfadó mucho porque Marvel no le dejase ajustar personalmente la gama cromática de cara a dicha reedición. Soy afortunada por disponer de la edición de 5 cómics de grapitas, la de Fórum de 1992 que respeta el colorido original.

La polémica de esta obra no queda ahí. A la hora de publicarlo, Marvel mutiló algunas escenas que consideraba demasiado violentas, como sus garras atravesando cuerpos humanos; además, censuró las escenas en las que Lobezno aparecía desnudo y se le veían los genitales (en un plano tuvo que ponerle calzoncillos!) algo que a Barry le ofendió hasta el punto de no colaborar con Marvel hasta muchos años después.

Y es que Barry es mucho Barry.

A disfrutar.

nectarina.

Enlaces:

http://www.entrecomics.com/?p=17946

Artículo del siempre recomendable “tío berni”.

http://www.elmundo.es/especiales/2009/04/cultura/lobezno/lobezno_01.html

Presentación del origen de Lobezno en flash, bastante chulo.

http://somethingicwaes.blogspot.com/

Barry Windsor-Smith unofficial blog, de FH Navarro.

Berni Wrightson, maestro del cómic de terror de los 70,un “monstruo del blanco y negro“, sus imágenes te ponen la carne de gallina, y no sólo por su espeluznante temática sino por su virtuosismo con los lápices. Es ese tipo de autor al que admiras , pero que por respeto no le has dedicado una entrada. Su producción está centrada en las historias cortas de terror, a veces con guiones no muy buenos, y sobre todo portadas también a color, aunque donde es un verdadero genio es con las tintas.

Berni fue hijo único, y se convirtió a sí mismo como su mejor compañero de juegos. Pero hay un límite del número de juegos al que un solo niño puede jugar “Cuanto más  tiempo pasaba solo, más retraído me volvía, y el tiempo pasaba y yo necesitaba canalizarlo de alguna manera, así que empecé a dibujar”
Pero no fue fácil.
“Fui a un colegio católico durante 20 años. Estaba siempre metiéndome en problemas por dibujar en clase. En primer lugar, allí no se dibujaba ni se enseñaba a hacerlo; en segundo lugar, los dinosaurios y monstruos que yo hacía no los consideraban propios de un niño “normal”. Me golpeaban los nudillos con una regla cada vez que me veían dibujar, a lo que yo debía responder ” Gracias, Hermana”. Prestaba poca atención, soñaba despierto.”

Cuando Berni alcanzó los 11-12 años se dio cuenta de que tenía una habilidad y talento que sus compañeros no tenían: ” los otros niños podrían jugar al balón; eran más rápidos, fuertes y competitivos, todo lo que yo no era. Pero yo sabía dibujar, y ellos no podrían hacerlo” Así que Berni se hizo amigo del otro único chico que dibujaba en su curso, John Pachuta.“Él fue más responsable de que me convirtiese en artista que cualquier otra persona o circunstancia. Ambos iniciamos una guerra…artística. Si no hubiese tenido esta competición, tratando incansablemente de hacerlo mejor que él cuando era tan joven, probablemente habría acabado de butanero hoy en día”

Pero él fue reponedor, e hizo un montón de trabajillos de verano. A Berni no se le había ocurrido todavía que podría vivir del arte. Trabajaba todo el día, y cuando llegaba a casa dibujaba un poco hasta la madrugada, y después otra vez al trabajo. Así unos 4 años. Después, por casualidades de la vida encontró en 1968 una editorial que hacía tiras cómicas para el diario Baltimore Sun. Pero el trabajo no duró mucho. “Era un empleaducho; me tiraba ocho horas sentado en una mesa,con una hora para comer. La gente en el periódico parecía tan vieja y tan cansada.Todo lo que sabían o les importaba era el mundo del periódico…todos tan asentados y contentos. Ví esto y me imaginaba que lo mismo me ocurriría a mí. Dios, era deprimente! A la hora de comer salía a pasear, sólo para no estar en esa oficina y que me diese el aire. Los paseos cada vez eran más largos, hasta que un día salí a pasear y nunca volví.”

Ese paseo acabó en New York, en las oficinas de DC Comics, donde Wrightson encontró trabajo por estar en el sitio adecuado en el momento adecuado. Sus trabajos Casa de misterio y Cuentos de lo inesperado fueron un éxito inmediato; tanto, que en esa época se estableció el término “house look” para describir el estilo visual de algunos de sus cómics.

En 1975, Berni compartió estudio con Jeffrey Jones, Barry Windsor-Smith y Michael Kaluta, “una hermandad muy ambigua, nunca vista. Ellos me mantuvieron fuerte, no me dejaron hacerme perezoso. Sólo mirando su trabajo me persuadió y convenció…a veces incluso me avergonzaba de no estar haciendo lo mejor de mí mismo” Un libro acerca del grupo, titulado simplemente El Estudio, publicado en 1979 por Dragon’s Dream, recopila la producción de estos 4 pilares del cómic y la ilustración durante esos años.
Berni estaba haciendo su mejor cómic, La Cosa del Pantano, que había dibujado 10 nº durante dos años. “Fue divertido mientras duró, pero al final me aburrí. Así que dejé las series…, y supongo que lo cómics también. Bueno seguí en ello el siguiente año o dos, sólo lo justo  para pagar el alquiler, pero mi corazón no estaba allí más. Tenía que hacer algo más grandioso”

Así que Wrightson dejó el cómic en blanco y negro y se pasó al gran formato a todo color. ” Cuando hice mi primera ilustración a color, estaba aterrado” Para el artista la ilustración final es única,de vital importancia. “El arte es un campo de grandes esfuerzos, donde el fin justifica los medios. No importa qué uses o cómo lo apliques; todo lo que importa es el resultado final”
Las imágenes de Wrightson cuentan historias, pero no son propiamente ilustraciones, sino historias en sí mismas. Contar historias requiere claridad. Cada elemento, cada detalle, cada punta de hierba,todo contribuye en la historia que se está contando. “Trabajo la línea con acuarela, ya que me permite ser muy exacto, absolutamente claro. Evito el óleo porque nunca he controlado el desarrollo de la imagen, todo se torna a lodo, y pierdo el dibujo…”

En 1976 Berni Wrightson empezó a trabajar en un proyecto que llevaba dando vueltas los últimos 20 años: la edición ilustrada de Frankenstein, de Mary Shelley (1816). “Este libro nunca ha sido ilustrado antes. Oh, bueno, sí se ha ilustrado seguro, pero yo me refiero a ilustrar. Es el punto de referencia para el terror y la ciencia ficción, y creo que no se le ha hecho justicia nunca.”
El Frankenstein de Wrightson fue hecho con una técnica meticulosa de pluma y tinta con la que “pretendía ser un cruce entre grabado en madera y grabado en acero” “Me remito a la novela a la hora de ilustrarlo, únicamente al libro, tratando de interpretar la historia y los personajes como si nunca hubiese visto a Boris Karloff o ninguna de las adaptaciones cinematográficas. Quería un fresco y original enfoque pero con la visión de hace 150 años”

Es para la revista Warren (la que publicaba los famosos CREEPY)donde realiza sus mejores contribuciones, en forma de cuentos de terror destacando Jennifer, guionizada por Bruce Jones, Clarice, las historias de Poe como El gato negro o Aire Frío, de H.P Lovecraft. Dichas historias fueron recopiladas y publicadas en España por Toutain.

Destacar en esta línea su Freak Show de principios de los 80, guionizado de nuevo por Bruce Jones. Basado en la genial película La parada de los monstruos (Freaks) de Tod Browning, es el perfecto equilibrio entre el guión y las macabras ilustraciones de Wrightson: seres que nacen con deformaciones físicas y que en siglos pasados se les consideraba monstruos, y como tal eran exhibidos en ferias, mostrándonos lo despiadado de la humanidad…¿quiénes son más monstruosos, los deformes por fuera o los mezquinos por dentro?

De forma independiente adapta al cómic la película de George A. Romero y Stephen King, Creepshow. Su etapa posterior es de menor relevancia: se introduce en el mundo de los superhéroes: Spiderman: Hooky, La Masa, La Cosa, Punisher, para Marvel, y Batman The Cult para DC. Hay que decir que el Batman de Wrightson adquiere gran personalidad, con esas orejas del traje puntiagudísimas.

¿Y por qué el horror, el miedo y la muerte? “Era todavía muy joven cuando me di cuenta que la vida y la muerte son las únicas realidades que hay. Puedes tener todo tipo de problemas; cualquier cosa que hagas puede ir en cientos de direcciones, pero lo único inevitable al final de todo es la muerte; la única cosa cierta en un incierto universo. Hay una fascinación general con la muerte. La muerte nos pertenece, es lo único que compartimos con el resto. Es el miedo a la muerte la responsable de las religiones. La gente tiene tanto miedo de morir que necesitan la promesa, el consuelo de que hay algo después…que la vida no es sólo el final…que sigue en algún sitio. No trato de asustar a nadie. He estado asustado y no me gusta, a nadie le gusta tener miedo. Intento evocar alguna otra reacción además que el miedo, su opuesto, un complemento…sentimientos mezclados” (…) “Pienso en una imagen como un entretenimiento. Me gusta pensar que la gente que mira mis ilustraciones puedan participar en lo que están viendo, y reaccionar a varios niveles”

Cuando tenía unos 4 años tuvo un sueño muy vívido que le marcó profundamente:

“Una mujer alta, de pelo largo y vestido verde de seda entró en mi cuarto mientras dormía. No tenía cabeza. Se dirigió al armario y abrió todos los cajones, uno a uno, removiendo las cosas con sus manos,como buscando algo. Dejó el armario y se fue directo a su cama, retorciendo sus manos. Había una caja de juguetes cerca de la cama; ella la abrió, empezó a revolver entre los juguetes, hasta que se levantó y se fue. Fue terriblemente real, y esta experiencia la tuve de nuevo, igual que la anterior. Ocurrió una tercera vez, de la misma forma, excepto que cuando terminó con la caja de juguetes, no se marchó, sino que caminó hasta mi cama, directamente hacia mí. La mujer descabezada se inclinó, se agarró al extremo del colchón y lo levantó. Yo estaba hecho un ovillo contra la pared, con mis manos tapándome la boca para no gritar, y mientras estaba allí, petrificado, muerto de miedo, se agachó lo suficiente que pude mirar dentro de su cuello. Ví las vértebras, la garganta, las venas cortadas limpiamente alrededor del cuello…pero un niño de 4 años no tiene concepto de cómo es el interior de un cuello! Para un niño es un gran agujero por donde la comida cae hacia el estómago”.

“Este incidente ha estado conmigo toda mi vida. No me gusta mucho hablar sobre él. Hasta hace dos o tres años, lo consideré un sueño por que rechazaba cualquier alternativa. Ahora me planteo la posibilidad de que no fue un sueño en absoluto. Todo fue real.”

Sueño o realidad, la vida del joven Wrightson parece ser que estuvo marcada por el terror…como si de una historieta suya se tratara.

nectarina.

Fuente:

-The Studio, 1975-1979, publicado por Dragon’s Dream en 1979. Obra de coleccionismo nunca traducida ni publicada en España, de donde he sacado todas las conversaciones del artista sobre su infancia y obra.

Enlaces de interés:

http://www.entrecomics.com/?p=85

Gran reportaje sobre el artista, que toma como fuente directa también el citado Studio.

“Este es un email difícil de escribir. No se preocupe. . . por lo que sé, no tengo ningún tumor o neurosis , y mis impuestos están pagados. Pero me siento como si rompiese con la reina del baile de promoción, después de haber tenido cita con ella desde 6º al 12º curso. Evitando pobres analogías: ha sido una increíble oportunidad trabajar en Fábulas estos últimos 7 años (este mes de octubre hacen 8). Pero creo que es el momento de dedicarme a tiempo completo a mi pintura y trabajo personal. Shelly y yo hablamos ayer, y mi última portada será la 81, al final del arco argumental. Ha sido un verdadero privilegio trabajar en un equipo con tanta química plasmada sobre el papel, y que ha formado parte de tan importante libro que ha entretenido y dibujado tanta gente.

No desapareceré del panorama, aunque …estaré aquí, en mi fortaleza de soledad pintando, mi consuelo estará en ver un nuevo nº de Fábulas todos los meses con la misma historia y ese arte interior que ha enganchado a tantos lectores. Sólo que estará envuelto en una diferente (y esperemos más bonita) portada.

Esta es la historia: primero recibí una llamada para crear la primera portada de Fábulas en octubre de 2001, un mes después de que mi compañero de piso, Yuko Shimizu, y yo viéramos las torres gemelas derrumbarse desde nuestro loft en Greenpoint, Brooklyn. No mucho después, cogí un avión a Austria para 3 semanas y presencié las alarmas de ántrax en el extranjero, regresando a casa tenía un mensaje de Vértigo comics en mi contestador automático, preguntándome si quería hacer las primeras cinco portadas de Fábulas.

Ahora el sospechoso remitente de las cartas de ántrax se ha suicidado este mes, y llevamos dos mandatos con un presidente en tiempos de guerra. Mientras tanto, he sido lo bastante afortunado de haber hecho un montón de ilustraciones. Sin embargo, durante el último año o así, he dejado de trabajar para revistas, libros  y  publicidad haciendo transición hacia mi trabajo personal. . . hasta ahora, Fábulas ha representado el último vestigio de mi carrera como ilustrador.

Ahora estoy metido en proyectos personales a tiempo completo. Con XOXO Postcard Book en mercado esta semana y Fables Cover Collection en un par de meses, espero continuar diseñando y publicando libros que me mantengan en un contexto para mi trabajo en todas sus diversas encarnaciones”.

Más enlaces:

http://trazosdetinta.qadmio.com/james-jean-y-fabulas.php

Anterior post dedicado al artista.

-http://www.processrecess.com

Otra página de James Jean, donde pone a la venta sus bocetos y pinturas originales.

-http://www.politewinter.com

Y como curiosidad, un portafolio compartido por el artista japonés Kenichi Hoshine, a modo de “conversación pictórica ” entre ambos artistas.

-http://www.jjeanius.net

Página web dedicada exclusivamente a James Jean con mucho mucho contenido. Son muy interesantes las entrevistas al autor, en inglés.

-http://www.thememagazine.com

Exhaustivo reportaje sobre el autor, aquí podéis conocer de primera mano las inquietudes de este ilustrador. Eso sí, en inglés.

Merodeando por Deviant Art he encontrado a Chus Hervás, el ejemplo perfecto para ilustrarlo, y nunca mejor dicho.

Y nadie como el artista para hablarnos de sus obras. Así que todo vuestro.

-¿Nombre artístico?
Chus Hervás

-Lugar de residencia.
Barcelona

-¿Cuántos años tienes?
29

-Dinos una línea sobre ti.
Es una buena pregunta para mi madre.

-¿Cómic europeo, manga o americano? ¿Por qué?
Yo antes era muy amigo de decir: “Esto es buenísimo y esto es una mierda”, con todo: cómic,cine, música…creo que hay mucha gente aficionada al cómic que piensa así y es un error. Da igual de dónde venga un cómic porque en todos los sitios se hacen cosas buenísimas.

-Viendo tus ilustraciones parece que dominas varios estilos de dibujo, ¿qué puedes decirnos al respecto?
Seguramente no domine ninguno como a mí me gustaría…o simplemente todavía no he encontrado el “camino bueno”…en cualquier caso sí que es cierto que me divierte plantear cada dibujo de una forma algo diferente al anterior.

-¿En qué ámbito te sientes más a gusto? Haciendo cómic, ilustraciones, pinturas…
Actualmente estoy mucho más interesado en el cómic, aunque siempre me ha encantado hacer pin’ups.

-¿Cuál es el siguiente proyecto que tienes en la cabeza?

Estoy dándole vueltas a un guión sobre un anciano que se escapa del geriátrico para vivir en libertad su historia de amor con una marioneta que compró veinte años atrás en un mercadillo . No obstante sufre el rechazo de la sociedad y muere en la más absoluta soledad…
Creo que tiene lo necesario para ser una historia divertida y familiar

-Recomiéndanos un autor, y la razón de tu elección. No tiene por qué ser tu artista predilecto…
Últimamente siento debilidad por Ashley Wood…para mí es un artistazo; como muestra, POPBOT.

-De paso nos aprovechamos y te pedimos que también nos recomiendes una obra.
El cómic que más me ha gustado en los últimos tiempos ha sido BLACK HOLE, de Charles Burns; un auténtico tratado sobre los miedos y traumas de la adolescencia.

-Nos gustaría conocer cuál es tu proceso creativo en la realización de una obra, así como las diversas técnicas utilizadas.
El proceso cambia ligeramente según cada dibujo, pero últimamente suelo realizar un dibujo preliminar que escaneo, limpio e imprimo en azul para entintar o realizar la versión definitiva de lápiz, según el caso. Después lo vuelvo a escanear y aplico el color a medias entre Photoshop y Painter.

-Para profundizar aún más en tus creaciones, ¿qué nos puedes contar sobre una de tus ilustraciones en concreto?
En “Di Guau”hice un dibujo preliminar en azul tamaño A4, que más tarde imprimí en A3; realicé la tinta en una mesa de luz con la hoja dada la vuelta para corregir los defectos de asimetría (sobre todo en las caras), a los que soy muy propenso.
Una vez hecha la tinta, volví a escanear, y a partir de ahí comienza el proceso de de color digital. También escaneé negativos de unas fotos que tenía por ahí y los monté en el dibujo (si os fijáis se ve un pelo de mi novia…) para dar el efecto de película guarra antigua.
Necesité varias pruebas de color y jugar mucho con los niveles en Photoshop hasta quedar satisfecho con el color. Creo que al final sí tiene el aspecto que yo quería.

-¿De dónde saca la inspiración un artista como tú?
Supongo que inconscientemente uno siempre tira de lo que le ha gustado o le provoca sensaciones: películas o música…yo a veces intento observar a mi alrededor, por ejemplo si busco el aspecto para un personaje. Suele dar buenos resultados.

-Si entrevistaras a otro artista, ¿qué te gustaría saber sobre él?
Cuando veo algo que me gusta de verdad siempre pienso:
“¿Cómo lo hará este cabrón/a?

-Y ya por último, ¿qué se nos ha olvidado preguntarte?
Ya os he enseñado todo lo que sé de mí.

Estoy segura que después de esta interesante entrevista sabréis apreciar aún más las obras de este prometedor dibujante de cómics.

Un saludito.

nectarina.

-Enlaces:
-www.chushervas.deviantart.com

Aquí podéis ver alguna ilustración más, además de las novedades que vaya subiendo.

Tim Sale puede presumir de haber realizado en los últimos años aclamados cómics que tienen como personajes centrales a los superhéroes más elitistas de DC y Marvel: varias historias dedicadas a Batman y a Superman, Daredevil, Spiderman o Hulk. Muy conocido por su relación profesional con el guionista Jeph Loeb, que desde 1991 forman un dúo creativo de lo más productivo y de calidad.

Su último trabajo de reciente publicación ha sido: Catwoman, when in Rome.
Gran admirador de los cómics Marvel de los 60, sus cómics favoritos son los Spiderman de Steve Ditko. En los años 70 Sale estudió varios meses en la escuela cómics de John Buscema en Nueva York, y a partir del 83 le vemos en sus primeros atisbos en el mundo del cómic, primero como entintador y después ya como dibujante.

La primera colaboración con su amigo Jeph Loeb es en 1991, con The Challengers of the Unknown (Investigadores de lo desconocido), y bueno, el resto ya es historia: las tres historias de Batman entre 1993 y 1995 con las tramas ubicadas en la noche de Halloween: Miedos, Locuras y Fantasmas. En el 2006 Planeta de Agostini las ha recopilado en un tomo llamado Batman:Haunted Knight.

Aquí aparece el repertorio más excéntrico de “malos malísimos”, como el Joker, Pingüino, El Espantapájaros, Poison Ivy o el Sombrerero Loco. El dibujo de Sale no podría ser más acertado: siniestro, con mucho blanco y negro, casi expresionista, retratando así el miedo y lo desquiciado que desprenden las historias. Se dan paralelismos con Alicia en el Pais de las Maravillas en la figura del Sombrerero Loco, entre otros motivos. Sale aporta un estilo de dibujo muy característico y su propia visión de los personajes a los que representa.

Estamos ante una fase experimental de ambos autores; podríamos denominarlo como una premonición ante sus siguientes obras: Batman: el Largo Halloween (1997) y Batman: Dark Victory (1999), como secuela de la anterior. El Largo Halloween se centra en la primera época del hombre murciélago, continuando cronológicamente el Año Uno de Frank Miller. El argumento gira en torno a un asesino en serie y los principales sospechosos; el asesino no se desvelará al lector hasta el final, haciéndonos dudar de cada uno de ellos al igual que una novela polícíaca…la maestría narrativa de Loeb al servicio del elocuente dibujo de Sale. Un imprescindible moderno de Batman.

Ya como dibujante de éxito, para Marvel realiza junto a Loeb: Superman: Las Cuatro Estaciones (1998); y los llamados cómics cromáticos Daredevil: Yellow (2001); Spiderman: Blue (2002) y Hulk: Gray (2003). Hay que decir que todos ellos son de mucha fuerza narrativa y gráfica. Los dibujos de Sale son más avanzados, con más personalidad aún.

Hablando de colores, que sepáis que Tim Sale es daltónico de nacimiento. Todo es dibujado y entintado por él. Después se lo pasa al colorista, y no al revés como es habitual (primero el color y después las tintas). Dice que de esa manera le es imposible, supongo que debido a su carencia; por ello esas aguadas tan artísticas, es su forma de dar tonalidades con las tintas. Y ya que he dicho esto, especial valor da a los dibujos de Sale su colorista habitual, Matt Hollingsworth. Aunque he de reconocer que Dave Stewart con su color digital en Catwoman: when in Rome es impresionante.

Se podría decir que tanto Loeb como Sale tienen una visión romántica de estos superhéroes: se relacionan entre sí porque todas las historias se centran en los inicios de los personajes, en el hombre que hay antes y detrás del héroe: su juventud, su familia, sus amores…y también sus debilidades.

Cada personaje tiene su historia y también su color, que va a predominar en todas las páginas. En Superman, cada estación tiene sus propias características estilísticas, reforzadas por el hecho de que cada capítulo está narrado por uno de los personajes principales (Jonathan Kent, Lois Lane, Lex Luthor y Lana Lang). A la originalidad de Jeph Loeb, Tim Sale responde con un dibujo de lo más limpio y evocador; reconoce haberse inspirado para los paisajes y los fondos en el pintor Norman Rockwell, quien mejor trató los temas de la Norteamérica rural. Superman: Las Cuatro Estaciones fue mi primera aproximación a este dúo artístico, y desde entonces quedé prendada.

En fin, un aplauso para quien tuvo la genial idea de unir a estos dos monstruos del cómic. Y por muchos años más.

Ah! para los que ya se hayan enganchado a la serie norteamericana Heroes, decir que Jeph Loeb es el escritor/co-productor, y que las pinturas del personaje Isaac son en realidad de nuestro amigo Tim Sale. ¡Toma ya!

nectarina

-Enlaces:

-www.timsale1.com

página oficial de Tim Sale, muy artística y con mucho material gráfico; tiene incluso foro, tienda… lo mejor sobre el artista.

http://www.zonanegativa.com/?p=4647

Entrevista que hicieron al autor en Viñetas desde o Atlántico 2007, el salón del cómic gallego. No tiene desperdicio.

http://www.intramuros.es/2007/08/23/tim-sale/

Blog de cómic, cine y demás donde dedica un artículo a Tim Sale, con un recorrido a su trayectoria. Os lo recomiendo.

www.aquihueleaazufre.wordpress.com

Blog muy interesante, hay un artículo sobre la última obra de Tim Sale, “Black and White”.

http://www.zonaheroes.com/1142/entrevista-a-tim-sale.html

página sobre la famosísima serie, con una entrevista al canto sobre su colaboración en Héroes.